En en barrio paulista de Campos Elíseos se realizará un recital a cargo de diferentes artistas latinoamericanos.
La ciudad brasileña de São Paulo albergará el evento "Mil guitarras para Víctor Jara", que contará con la presencia de destacados artistas: EntreLatinos, Kátya Teixeira(Brasil), Cecilia Concha Laborde(Chile), Analía Garcetti(Argentina), Jam Miranda, el grupo Tarancón, A Bandallera, el solista Jara Arrais, Sendero, Quinchamalí, Lakitas Sinchis Warmisy Amaranta Pérez(Venezuela), entre otros.
La cita es el próximosábado 30 de septiembre de 12 a 20 horas en Alameda Eduardo Prado, 474, Campos Elíseos, Ciudad de São Paulo. Entrada gratuita.
En una época de dictadura militar y férrea censura, la compañía Phonogram organizó un megaevento destinado a entrar en la historia. Los mejores momentos del festival se publicaron en tres discos, mientras que algunos videos, descartados en su momento, vieron la luz en 2005.
"Phono 73. O canto de um povo"
Varios intérpretes
Vol.1: Polydor 2451032
Vol. 2: Philips 6349074
Vol. 3: Philips 6349075
Editados por Companhia Brasileira de Discos Phonogram
Brasil, 1973
Reedición: Caja de 2 CDs + 1 DVD
Universal Music 6024982441-2
Brasil, 2005
La música popular en Brasil, como en el resto de América Latina, tiene variadas raíces. En los años 50 del siglo pasado surgió la bossa nova, a partir de música de jazz y del samba callejero "pero suavizado y refinado". Una década después, aquel ritmo por entonces renovador volvió a sufrir transformaciones, alimentándose del rock, el samba y la música pop. A esta amalgama artística se la denominó MPB (Música popular brasileira), surgiendo artistas como Edu Lobo, Chico Buarque y Geraldo Valdré, entre muchos otros. Un subgénero de la MPB es la Tropicália, cultivada por Caetano Veloso, Gal Costa, Gilberto Gil y Nara Leao, fusionando elementos de la bossa nova, la música tradicional de Bahía, el fado y la música psicodélica. A diferencia de lo que sucedía en otros países de la región, donde los movimientos de la Nueva Canción poseían una carga política importante, las reivindicaciones sociales y otros ideales estaban sublimadas en la canción brasileña por estar atravesando el país una dictadura cívico-militar. A partir del golpe de 1964 que depuso al presidente Joao Gulart el clima represivo y de censura social y política se tornó cotidiano.
Durante la primera década de los 70 la antigua Companhia Brasileira de Discos, ahora llamada Phonogram, había comenzado a sanear su economía, quedándose con los artistas más relevantes y llegando a liderar cerca del 20% del mercado nacional. Gracias a la gestión de su presidente, André Midani y sus ejecutivos Armando Pittigliani, Manoel Carlos y Roberto Menescal, estos números permitieron idear un espectáculo masivo con pocos precedentes en la región. Pittigliani, por entonces Director del Departamento de Servicios Creativos contaba al periódico Folha de S. Paulo: "Los militares creían que la grabadora estaba llena de comunistas y los artistas nos veían como derechistas. En verdad, lo que queríamos era grabar buena música brasileña". [1] A diferencia de otros festivales, éste no sería competitivo, sino que mostraría a los mejores artistas del sello. "Sólo nos falta Roberto" rezaba una publicidad de Phonogram en aquellos años y en alusión al popular Roberto Carlos.
Las entradas comenzaron a venderse a precios populares en más de 50 disquerías de Sao Paulo a partir de abril de 1973. Los ejecutivos eran conscientes de que la inversión inicial , de alrededor de 165.000 dólares estadounidenses, no sería recuperada con la venta de entradas sino con la de los discos que se grabarían en el evento. Las propuestas de Phonogram eran que cada artista aportase dos viejos éxitos más una nueva canción, además de formar un dúo inédito con otro artista del sello. El festival se realizó el el Centro de Convenciones de Anhembi, en Sao Paulo. De las 4 noches en que se realizó el festival, la primera noche--el jueves 10 de mayo--fue la única que no contó con una producción o dirección previamente establecida. Este "concierto libre" contó con la participación de Rita Lee, Lúcia Turnbull y el grupo Os Mutantes, y no fue registrado fonográficamente.
El viernes 11 fue el turno de Chico Buarque y Gilberto Gil, quienes se presentaron a dúo con la recién compuesta Cálice. Si bien no estaba permitida su difusión, los artistas decidieron presentarla de todos modos, apenas expresando la palabra que da título a la canción, continuando el canto en forma musitada o con palabras aparentemente incoherentes. Aun así los censores dejaban sin retorno los micrófonos del teatro, provocando la airada (y lógica) reacción de Chico. Si bien los micrófonos que grababan no fueron desconectados, esta parte de la actuación no llegó al disco. Pero Baioque sí , integrando el volumen 2 de la serie. Gil, por su parte, está presente con Ladeira da preguica (con Elis Regina), Jazz potatoescon su autor, Jorge Ben y con su actuación solista cantando Filhos de Gandhi. La recordada cantante portoalegrense canta É com esse que eu vou, de Pedro Caetano, mientras que Raimundo Fagner hace lo propio con Manera, fru fru, manera. Ivan Lins y MPB4, el grupo vocal e instrumental nacido en 1965 en Niterói, interpretan Nao tem perdao(Ivan Lins - R. Souza). El increíble Jorge Ben, artista multifacético y de maravillosa creatividad aparece en el disco a través de un enganchado de temas propios: Mas que nada y De manha. El personaje histórico Zumbi dos Palmares (1655-1695), uno de los últimos líderes de la comunidad de esclavos de la colonia, está representado en la canción Zumbi.
La noche del sábado 12 es la más extensa de todo el Festival, con 14 artistas en escena. El disco rescata momentos estelares de Erasmo Carlos: Me acende com teu fogo, cantada de manera solista, y compartiendo un enganchado con Wanderléa: Sentado à beira do caminho, Foi assimy Festa de Arromba. Jair Rodrigues (1939 - 2014) participa con dos canciones: Orgulho de um sambista (Gilson de Souza) y Sou da madrugada (G. de Souza - Wando), mientras que el carioca Jorge Mautner está presente con su Rock da barata (Rock de la cucaracha en español). Y hablando de rock, uno de los precursores de este tipo de música en Brasil, Raúl Seixas(1945 - 1989) ha dejado registrado un tema compuesto conjuntamente con Paulo Coelho: Loteria de Babilônia. Ronnie Von (Ronaldo Nogueira) es un cantante, compositor, presentador y actor carioca. En los años 60 grabó varios discos de música psicodélica, muy influenciado por el cuarteto inglés The Beatles. En este festival una de sus canciones que quedaron registradas fue Vai depressa, compuesta por William Verdaguer.
Toquinho (Antonio Pecci Filho, n. 1946) y Vinicius de Moraes (1913 - 1980) formaron a principios de los 70 un dúo muy recordado que actuó en varios países de la región (incluida Argentina). El disco 1 recoge sus interpretaciones de Regra três(Toquinho) y Samba de Orly(V. de Moraes), con su acostumbrada solvencia artística. Wilson Simonal (1938 - 2000) ha sido un exitoso cantante y compositor paulista. La revista Rolling Stone Brasil lo ha considerado "el cuarto mejor cantante brasileño de todos los tiempos". Aquí canta Hino ao Senhor, compuesta por el músico argentino Tony Osanah.
El domingo 13 actuaron varios músicos bahianos: Caetano Veloso aparece en el volumen 1 con una canción de Paulinho de Viola: Tudo se transformou, mientras que el volumen 3 cierra con A volta da Asa Branca, de Luiz Gonzaga. La versatilidad del artista le permite pasar cómodamente de una reposada bossa nova al rock más furioso, pasando por otros ritmos también. Esa noche protagonizó otra de las polémicas que quedaron registradas para la posteridad: Caetano decidió formar dúo con el cantante de música brega ("melódica" o "ligera") Odair José. Interpretaron juntos Vou tirar você desse lugar, del propio Odair José. El dúo no fue bien recibido por la audiencia; Veloso respondió a las pifias del público con una frase memorable: "no hay nada más clase Z que el público de clase A". Tuvo mejor fortuna el dueto integrado por Gal Costa y Maria Bethânia versionando un clásico de Dorival Caymmi: Oracao da Mae Menininha, una de las joyas de esta producción. De manera solista Gal brinda una hermosísima recreación de Trem das onze(A. Barbosa), mientras que Maria Bethânia hace lo propio con Preciso aprender a só ser, de Gilberto Gil y Trampolim, tema compuesto por ella misma y su hermano Caetano Veloso.
Nara Leão (1942 - 1989), nacida en Vitória, Espirito Santo, ha sido una extraordinaria cantautora, considerada "Musa de la Bossa Nova". De aquella noche quedaron grabadas sus versiones de Quinze anos(Naire - Paulinho Tapajós) y Diz que fui por aí(Hortênsio Rocha - Zé Keti). Cada una de ellas, en apenas algo más de dos minutos, permite disfrutar a pleno de esta inolvidable artista. Finalmente, Jards Macalé, nacido en Rio de Janeiro en 1943, aporta su canción Movimento dos barcos, compuesta junto a José Carlos Capinam.
La primera reedición de este material en discos compactos se realizó en 1997, respetando la división del repertorio en 3 discos. Pero en 2005, con motivo del hallazgo de algunas filmaciones del concierto, la compañía, ahora rebautizada Universal Music, vio oportuno reeditar todo el material en una caja que contiene 2 CD (con todo el material de los 3 discos originales) más un DVD con los videos encontrados y notas de gran interés para el público. La historia de la filmación comienza en el mismo momento de la gestación del festival. Incluso la revista estadounidense Billboard llegó a publicar un anuncio divulgando la grabación de 12 horas de concierto para un documental. Estuvo a cargo de esta tarea el cineasta y productor televisivo Guga de Oliveira (Carlos Augusto Oliveira, 1941 - 2018) a través de la empresa Blimp Filmes. Las grabaciones se realizaron con 6 cámaras Arriflex, aunque las condiciones de iluminación y la altura del escenario no siempre favorecían estas labores. Al finalizar el festival Phonogram no llegó a un acuerdo monetario con Blimp Filmes y el material quedó guardado en un depósito. De la desidia y el posterior incendio del depósito se salvó una edición fílmica hecha por Ana Carolina Teixeria Soares, que es la que rescata el DVD. Varios videos fueron sincronizados con el sonido estereofónico de las tomas de sonido originales. La mayoría de las canciones de la película, que se aprecia como si hubiese sido filmada hoy, no se encuentran en la selección definitiva de los discos de audio y es la siguiente:
1. Caramba! / Galileu de Galiléia / Que nega é essa? / De manha / Mas que nada.Jorge Ben
2. Meu Pai Oxalá. Toquinho e Vinicius
3. Cabaré. Elis Regina
4. Tutti Frutti / Let me sing, let me sing / As minas do Rei Salomao. Raul Seixas
5. Cálice. Chico Buarque y Gilberto Gil
6. Cotidiano / Baioque. Chico Buarque
7. Eu quero é botar meu bloco na rua. Sérgio Sampaio
8. Sebastiana. Gal Costa
9. Rosa dos ventos. Maria Bethânia
10. Oração da Mãe Menininha. Gal Costa y M. Bethânia
11. Meio do campo. Gilberto Gil
12. Jazz potatoes / Filhos de Gandhi. Gilberto Gil y Jorge Ben
13. A volta da Asa Branca / Eu só quero um xodó / Baiao. Caetano Veloso
Extra:
14. Cálice censurado (en realidad es el audio del video 5 con una selección de imágenes de todos los videos anteriores).
Nota basada en las siguientes fuentes:
Wikipédia. A enciclopédia livre (Versión portuguesa de Wikipedia)
Nacido en plena dictadura y amadrinado por Mercedes Sosa, el
conjunto brasileño sorprendió al público local por el alto nivel técnico y
musical de sus espectáculos. Con formación renovada, celebra más de tres
décadas sobre los escenarios. En entrevista exclusiva los músicos Jara Arrais y WillyVerdaguer, integrantes
de “Raíces de América”, nos cuentan la historia y el devenir de este grupo.
Foto:
gentileza Raíces de América
Escuchando
por primera vez a “Raíces de América” sorprende el interés por el repertorio
hispanoamericano. Esto tiene que ver con el origen de sus integrantes y con la
innegable influencia de Mercedes Sosa. Cuéntanos en qué circunstancias nace el
grupo en Brasil y qué expectativas tenían sus miembros originales.
El grupo nace de la inquietud de un poeta y empresario argentino,
radicado en Brasil, llamado Enrique Bergen. Un adorador de la música folclórica
latinoamericana, que vio que no había ninguna manifestación ni movimiento, por
menor que sea, en los medios de comunicación brasileños, a no ser pequeños
focos alternativos, en lugares también alternativos y sin ningún apoyo o
incentivo. Entonces convoca una especie de selección de músicos de diversos
países, Brasil, Chile y Argentina, por medio de una rigorosa pesquisa musical,
y forma así, Raíces de América. Las expectativas eran simplemente mostrar al
público brasileño, esta diferente forma de hacer música y de interpretar las
alegrías, tristezas, emociones y euforias de una América soñadamente unida.
Desde
otros países latinoamericanos se suele ver a Brasil casi como un continente
aparte, con una cultura riquísima y que pocas veces se asoma al arte de sus
vecinos. ¿Cuánto hay de cierto en esta visión y cómo han influido la “Negra”
Sosa y grupos como Tarancón y Raíces de América?
Los motivos pueden ser varios. En la parte musical, las
influencias rítmicas en Brasil son básicamente africanas. El movimiento del
cuerpo en la danza, también. Así como el ‘suingado’.
A mediados del siglo XX, entra el jazz norteamericano, mezclado
a las armonías brasileñas y es creada la bossa-nova. En los años 70, la canción
de ‘protesta’ brasileña es ‘intelectual’ con grandes exponentes como Caetano Veloso y Gilberto Gil en la ‘Tropicalia’. Al tiempo que en la América latina, la ‘protesta’ no es
particularmente ‘intelectual’ y sí en forma de lucha, revolución y sangre.
A grosso modo, en América del Sur española, hay gran contingente de indios y
relativamente pocos negros. En América del Sur portuguesa, hay gran contingente
de negros y relativamente pocos indios. Eso nos trae una diferencia
significativa en todas las áreas, sobretodo en la cultural.
Por otro lado, la posición geográfica de Brasil es bastante
explícita. De frente hacia Europa y Estados Unidos y de espaldas a la propia
América del Sur. Eso es un simbolismo bastante ‘elocuente’.
Y Raíces de America, Tarancón y otros, se dirigen modestamente a
la aproximación de esos polos culturales un tanto aislados.
En los
primeros discos pueden escucharse versiones de canciones chilenas, argentinas y
cubanas, por ejemplo, aunque con arreglos diferentes a los originales, con
agregados de percusiones pero también
con mucha creatividad en los arreglos ¿Cómo ha recibido el público brasileño
este repertorio? ¿Eran conocidas esas canciones?
Prácticamente nada era conocido. Por ese motivo y para acortar
distancias, la primera temporada de shows de Raíces contó con la participación
de Isabel Ribeiro, una gran actriz brasileña que declamaba poesías en
portugués, como tejiendo historias y
canciones y adelantando los temas que vendrían, para mejor entendimiento del
público. La receptividad fue instantánea. Fue realmente cuando la música latinoamericana
entró en el país. Años 80.
Con el
tiempo, Raíces de América sumó obras propias, tanto en castellano como en
portugués, tales como Fruto do suor y
Humahuaca, adquiriendo definitivamente
una identidad propia. ¿Cómo evalúas la evolución del grupo a lo largo de los
años?
Fue una evolución natural, de acuerdo con la receptividad y con
los anhelos del grupo como precursores del movimiento al lado de Tarancón y
otros. Canciones propias se hicieron necesarias a partir de un cierto punto.
Precisamente para mostrar todo un sentimiento de gente que vive lejos de su
país pero que siente y entiende como pocos esas culturas diferentes, y por eso
se coloca a disposición para intentar amalgamarlas.
Bombo,
charango, quena, zampoña y cuatro son algunos de los instrumentos que tocan,
todos ellos originarios de otros países latinoamericanos ¿Cuál es el interés
que despierta la música tocada en estos instrumentos, tanto para los
integrantes del grupo como para el público brasileño?
Para los integrantes del grupo, son instrumentos comunes,
inclusive para los brasileños, porque están muy bien informados y son admiradores
de esos sonidos desde hace mucho tiempo. Para el público en general, son
sonidos exóticos y pintorescos, que los llevan a imaginar paisajes y vivencias,
que de una forma o de otra están dentro de cada uno.
En la
página oficial del grupo se cuenta que han realizado dos giras por países
europeos. Sin embargo no hay noticias sobre presentaciones en otros países de
Sudamérica. ¿Qué posibilidades hay de escuchar a “Raíces de América” en los
países de origen de muchas de las canciones que interpretan?
Eso es una cuestión de oportunidad. Ya ha habido propuestas que
no se concretaron por uno u otro detalle. Y el grupo está siempre pensando e
imaginando cómo sería saludable y emocionante hacer una gira por los países del
sur. Todos ganarían con eso. Las ciudades, nosotros, el público, en fin,
todos.
Si bien
es innegable el “mestizaje” del grupo, dado por los diferentes orígenes de sus
miembros, en los países de habla hispana generaría interés poder escuchar las
composiciones propias del Brasil. Cuéntanos acerca del repertorio local, tanto
propio como de otros autores.
Durante todos estos años, hemos interpretado, además de los
clásicos y los no clásicos, temas de gran expresión brasileños, como: Cio da Terra (Chico Buarque – M.
Nascimento) Tocando em Frente (Renato
Texeira – Almir Sater) A Festa (M.
Nascimento), y muchos otros. Inclusive elaboramos un repertorio especial para
un show que lleva el título de “Brasil Latino” y lo presentamos en diversas
ciudades. Esta secuencia musical la llevamos a cabo con arreglos latinoamericanos
y que resultó en una aceptación muy positiva por donde pasó.
En
momentos en que algunos países de la región pasan por situaciones políticas y
sociales muy complejas, la cultura suele ser el refugio de mucha gente, tanto
artistas como público. ¿Cuáles son las expectativas de los integrantes de
Raíces de América en cuanto a eventuales giras por la región y el intercambio
con músicos de otros países?
La cultura suele ser no sólo el refugio de algunos, como el
palco para exponer puntos de vista y de denuncia de arbitrariedades de personas
no tan poéticas que nos acosan por todos los lados. Raíces de América tiene
como misión (si podemos llamar así) alertar ese tipo de violencias, apenas de
un punto de vista humano y a través de
canciones. Las expectativas sobre eventuales giras por la región, son las
mejores posibles, ya que tenemos mucho para decir y mucho a aprender. Y el
intercambio con músicos de otros países siempre será enriquecedor para ambos
los lados. Sería maravilloso poder cambiar ideas musicales en español y
portugués y portuñol. Una mezcla
de cultura musical rara. Soñemos!
Miembros: la
formación actual de Raíces de América cuenta con nueve músicos, multiinstrumentistas,
mezclando instrumentos de cuerdas; andinos, acústicos y eléctricos; flautas
andinas, traversa, batería y percusión: Willy
Verdaguer, Míriam Miràh, Pedro la Colina, Oscar Segovia, Tadeu Passarelli,
André Perine, Chico Pedro, Jara Arrais, Jica.
En
este artículo el músico y escritor reflexiona sobre el papel y la imagen de los
artistas en un momento de crisis política en Brasil.
Foto: Ana Miranda / Zero Hora
Por Zero
Hora(*)
La
historia es más o menos así: Mark Twain, el escritor norteamericano estaba
sentado en el balcón de su casa cuando pasó un vecino y le preguntó: “¿Descansando,
vecino? , a lo que él respondió: “No, trabajando”. Otro día el mismo vecino lo
vio cortando el césped del jardín y le preguntó: “¿Trabajando, vecino?” y Twain
le respondió: “No, descansando”.
Recordé
esa historia para ejemplificar la idea de que el trabajo y el descanso del
artista no se parecen a los de las demás profesiones. Para el sentido común
“artista” ni siquiera parece ser una profesión. ¿Para qué sirve un artista
realmente? El sistema no tiene, a priori, un lugar para él. El pintor francés
Paul Gauguin cambió una profesión “de respeto” y rentable para tornarse un
pintor destinado a vivir y morir en la pobreza y sin reconocimiento alguno.
¿Qué juicio esperar de los contemporáneos de Gauguin sino que él había
enloquecido, que era un misántropo, un inadaptado?
La
sociedad siempre está lista para recibir a los ingenieros, a los médicos o a
los abogados, nunca a los artistas. Si un médico cuelga su diploma en una
pared, entra y sale rutinariamente por la puerta de un consultorio en que esté
fijada una placa con su nombre y especialidad, nadie dirá que él no es un
médico, sea buen o mal profesional. Para un artista, un diploma y una puerta
con su nombre nunca serán suficientes. Su reconocimiento dependerá siempre de
criterios subjetivos. ¿Lo que él hace es artístico? ¿Qué es el arte realmente?
El propio artista puede pasarse la vida formulándose estas preguntas. El dilema
comienza tempranamente. Nadie puede
decir a un niño o a un adolescente si será un artista. El artista sólo escucha
su propia voz. Nos tornamos aquello que somos, ha dicho otro escritor. Pero qué
difícil es escuchar la propia voz, decirse a uno mismo: soy un artista, seré un
artista.
En
casa, estimulamos mucho a nuestros hijos a seguir el camino del arte, en el
caso de que sintieran tal vocación. Para nuestra alegría y la de ellos, Ian e Isabel
son hoy en día artistas de quienes sentimos mucho orgullo. Pero sé que en la
mayoría de las familias los padres sienten temor ante la posibilidad o la
decisión de que sus hijos adolescentes quieran seguir este camino. Quizás el
miedo de los padres se origine en la percepción de que los jóvenes no tienen
experiencia de vida suficiente como para medir los riesgos de una elección
profesional equivocada o de difícil trayectoria, sin mencionar que, para
muchos, optar por el arte significa sencillamente desestimar una profesión “de
verdad”.
La
difícil trayectoria para un artista puede ser consecuencia del valor intrínseco
de lo que él produce, pero puede también, y quizás principalmente, resultar de
la dificultad de inserción en un sistema en que el arte es menos necesario que
superfluo. De ahí la importancia, para toda sociedad, de la existencia de
instituciones culturales sólidas, aquellas que ambicionan dar al arte su debido
y digno lugar en el sistema. Aun actuando en un contexto adverso, el artista
puede ser tenido en alta estima. Pero es más común que enfrente preconceptos de
todo tipo. Es moneda corriente ser tachado de vagabundo, bohemio, perezoso o
rebelde, por ejemplo.
Particularmente
considero altamente importantes la vagancia, la bohemia, la pereza y la
rebeldía para el trabajo artístico. Pero sé que uno solo de esos adjetivos
podría destruir la reputación de profesionales “respetables” en las
profesiones, digamos, convencionales. El artista paga un alto precio por llevar
una vida no convencional. Además, como para la gente en general el arte está
asociado a los momentos de entretenimiento, placer o incluso descanso—en los
momentos en que se sale de la “rutina”—se impone la idea de que el artista vive
sólo en estos, por estos y de estos momentos de ocio, que su vida es una fiesta
permanente. Poco se sabe de la labor artística, de cuán difícil y compleja
puede llegar a ser, de cuánta transpiración existe para cada inspiración.
¿Quién no conoce la fábula de la cigarra y la hormiga?
Por
más que pensemos en culturas diferentes, en países en que el arte está más o
menos valorado, en los Estados Unidos de Twain, en la Francia de Gauguin, en el
Brasil de Noel Rosa—aquel bohemio incorregible que, habiendo vivido apenas 26
años, creó una obra genial con suficiente potencia para moldear nuestra
identidad nacional—no creo que el papel del artista en la sociedad cambie mucho
de un país a otro. En el caso del Brasil actual, la demonización de los
artistas me parece puntual respecto a la política. Las personas se están
demonizando unas a otras de una forma que se acerca a la barbarie, con la falta
de un proyecto democrático para el país. ¿Por qué los artistas serían librados
de esta locura si, en su mayoría, se sitúan en el espectro político más cercano
a la izquierda, justamente lo que ahora está siendo juzgado?
Pero
estoy seguro de que los que hoy insultan a Chico Buarque o a un oscuro grupo
teatral de vanguardia saben, en el fondo, que el trabajo de esos artistas es de
grandísima importancia; saben que, produciendo cada uno a su modo y con
libertad, ellos son fundamentales para nuestra constitución como nación. Uso la
expresión “en el fondo” a propósito. Quizás el foco debiese estar en el fondo,
tal vez necesitemos ir hasta el fondo de todo esto. ¿Qué tal ir y salir de allí
compartiendo la más legítima alegría ciudadana?
(*)Traducción al español del artículo
publicado por el periódico Zero Hora
de Porto Alegre, a quien agradecemos la autorización para reproducirlo en esta
página.
El músico brasileño se presentó en
Buenos Aires. Su generoso concierto matizó clásicos de la música de su país con
populares canciones hispanoamericanas
O músico brasileiro ofereceu um
concerto em Buenos Aires.Sua generosa
apresentação permitiu desfrutar os clássicos da música de seu país e canções
populares hispano-americanas.
Recital de Jara Arrais
Centro Cultural “Mordisquito”
Pasaje Enrique Santos Discépolo 1830
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Argentina
Miércoles 28 de enero
de 2015
Quarta- feira, 28 de
janeiro, 2015
Jara Arrais,
nacido en São Paulo, se ha vinculado a la música siendo muy
joven. Su interés por esta expresión artística no se ha limitado a la riqueza
de su propio país, sino que se ha ampliado al repertorio de canciones de la
América de habla hispana. En el año 2000 Jara se incorporó al conjunto Raíces
de América, formado a finales de los años 70 por músicos bolivianos,
argentinos, brasileños y chilenos interesados en dar a conocer las creaciones
surgidas bajo el alero de la Nueva Canción.
Jara Arrais nascéu em São Paulo. Sendo muito jovem, ele teve paixão pela música; seu
interesse por esta expressão artística não se limitou à riqueza do seu próprio
país, mas foi estendido para o vasto repertório de músicas da América de língua
espanhola. A partir do ano 2000 Jara integra o grupo Raíces de América, formado
no final da década de 1970 por músicos bolivianos ,argentinos, brasileiros e
chilenos interessados em apresentar as criações que surgiram sob a égide da NovaCanção.
Jara Arrais
En esta
oportunidad, Jara está acompañado en percusiones por Diego Gandolfo, quien
brindará un aporte muy especial a la trova interpretada por el músico paulista.
Y es precisamente una canción dedicada a esa enorme ciudad la que da comienzo
al recital: Sampa, del gran Caetano Veloso:
Alguma coisa acontece no meu coração
Que só quando cruza a Ipiranga e a avenida São
João
É que quando eu cheguei por aqui eu nada
entendi
Da dura poesia concreta de tuas esquinas
Da deselegância discreta de tuas meninas
(Algo sucede enmi corazón
Sólo cuando cruza la calle Ipiranga y
la Avenida São João
Es que cuando llegué aquí nada
entendí
De la dura poesía concreta de tus
esquinas
De la deselegancia discreta de tus
muchachas)
Nesta
ocasião, Jara é acompanhado pela percussão de Diego Gandolfo, que dará uma
contribuição muito especial para a trova executada pelo músico paulistano. E é
precisamente uma canção dedicada a essa grande cidade que arranca o concerto: Sampa,
do grande Caetano Veloso:
Alguma coisa acontece no meu coração
Que só quando cruza a Ipiranga e a avenida São
João
É que quando eu cheguei por aqui eu nada
entendi
Da dura poesia concreta de tuas esquinas
Da deselegância discreta de tuas meninas
Diego Gandolfo
La segunda
pieza es Divagando, tema instrumental de Domingos Semenzato (1880? –
1940?)un chorinho que se reconoce
como origen del samba. Le siguen dos difundidas composiciones de la Nueva Trova
cubana: Pobre del cantor, del bayamés Pablo Milanés, y la hermosa e
intensa obra de Silvio Rodríguez La maza, que puede apreciarse en el
video siguiente.
A segunda
obra é Divagando, tema instrumental de Domingos Semenzato(1880?-1940?) um
chorinho que é reconhecido como a origem do samba. Ele é seguido por duas composições
da Nueva Trova cubana: Pobre
del cantor, de Pablo Milanés e a bela e intensa canção La
maza, que você pode ver no vídeo abaixo.
Video: La maza
Vinícius de Moraes (1913 -1980) y
Antônio Carlos Jobim (1927 -1994) son autores de grandes éxitos, como Insensatez
y Chega de saudade. Son creaciones del género bossa nova que dieron la vuelta al mundo
en las voces y guitarras de sus creadores y de infinidad de intérpretes. Las
versiones de Jara Arrais conservan esa rara mixtura de nostalgia y alegría
propias de ese género. Por otra parte, su dicción en español en general es
correcta; alguna palabra pronunciada de manera diferente forma parte de la
simpatía del artista, de quien apreciamos su versatilidad en los diferentes
ritmos de nuestro continente.
Vinícius de Moraes (1913-1980) e
Antônio Carlos Jobim (1927-1994) são autores de grandes sucessos, como Insensatez e Chega de saudade. São
criações do gênero bossa novaque foram conhecidas no mundo inteiro em vozes e guitarras de seus
criadores e d’um número infinito de intérpretes. Asversões do Jara Arrais preservam essa
rara mistura de nostalgia e alegria típica do gênero. Por outro lado, sua
dicção em espanhol é, em geral, correta;
qualquer palavra pronunciada de forma diferente faz parte da simpatia do
artista, a quem agradecemos sua versatilidade em diferentes ritmos do nosso
continente.
Dos grandes clásicos argentinos son
vertidos con profundo sentimiento y respeto: Luna tucumana (Atahualpa
Yupanqui) y Si se calla el cantor(Horacio Guarany). La recordada cantora
Mercedes Sosa tiene mucho que ver en la elección de este repertorio ecléctico:
su relación con Brasil y sus músicos ha quedado plasmada en múltiples
registros. El grupo Raíces de América (y posteriormente Jara Arrais) ha sentido
fuertemente su influencia, al punto que la Negra amadrinara oportunamente al
conjunto paulista.
Dois clássicos argentinos são interpretados
com respeito e sentimento profundo: Luna tucumana (Atahualpa Yupanqui) e
Si
se calla el cantor (Horacio Guarany).A inesquecível cantora Mercedes Sosa está intimamente ligada na
escolha de tal repertório: a sua relação com o Brasil e seus músicos foi
registrada em várias ocasiões. O conjunto Raíces de América (e depois o Jara Arrais)
tem sido fortemente influenciado pela “Negra”a tal ponto que ela tem sido a madrinha do grupo
paulistano.
La milonga no es ajena al arte de
Jara, quien se atreve con Los hermanos, de Atahualpa Yupanqui.
LaZamba por vos, de Alfredo Zitarrosa,
constituye otro de los aciertos del repertorio de esta noche. Este primer
segmento finaliza con O mundo é um moinho, composición de
Cartola (Angenor de Oliveira, 1908 -1980), considerado el mayor sambista en la
historia brasileña. El audiovisual ofrecido a continuación permite apreciar
esta versión.
A milonga não é estranha à arte de
Jara, que “ousa” cantar Los hermanos, de Atahualpa Yupanqui.
A Zamba
por vos, de Alfredo Zitarrosa, é outro dos sucessos do repertorio desta
noite.Este primeiro
segmento termina com Omundo é um moinho,
composição de Cartola (Angenor de Oliveira, 1908-1980), considerado o maior
sambista da história brasileira. O audiovisual oferecido a seguir permite
apreciar esta versão.
Video: O mundo é um moinho
Llega el turno de los invitados. Diego cambia la
pandereta y el bombo por la guitarra para acompañar a la joven y talentosa Elena Guarner a través de vibrantes interpretaciones. La cálida voz
de Elena da nuevos coloridos a hermosas canciones como la tonada anónima Una
pena nuevamente y el bolero Contigo en la distancia(César Portillo de la Luz). Jara se
suma tocando el bombo en la sublime versión de la Zamba del laurel (Armando
Tejada Gómez y Gustavo “Cuchi” Leguizamón), que compartimos a través de este
registro.
Elena Guarner
É a vez dos convidados. Diego mudou o bombo e o pandeiro pelo violão para acompanhar a jovem e talentosa
Elena Guarner através de
vibrantesinterpretações. A voz apaixonada
da Elena dá novas “cores” à belas canções como a tonada anônima Una pena
nuevamente e o bolero Contigo en ladistancia (César Portillo
de la Luz).Jara
junta-se a tocar o bombo na versão sublime da Zamba del laurel (Armando
Tejada Gómez e Gustavo "Cuchi" Leguizamón), que compartilhamos
através deste registro.
Video: Zamba del laurel
Tras un breve intervalo, Jara Arrais se presenta
nuevamente en escena. El primer segmento está dedicado al cantautor chileno Víctor Jara (1932 -1973) quien hizo un
aporte significativo al por entonces naciente movimiento de la Nueva Canción
Chilena. Tres de sus obras más conocidas están presentes en la interpretación
de Arrais: Te recuerdo, Amanda, El arado, que posee un interesante arreglo percutivo, y la intensa Plegaria
a un labrador. En las canciones de Víctor podemos conocer desde
aspectos íntimos de su vida hasta su visión de los cambios generados en la
nación trasandina a través de la “vía chilena al socialismo” encarada por el
gobierno de Salvador Allende. Su muerte a manos de las fuerzas represivas
sembró su obra por el mundo, legado de
activa militancia y humanismo.
Após um breve intervalo, Jara Arrais surge novamente
no cenário. O primeiro segmento é dedicado ao cantor chileno Víctor Jara (1932-1973) que fez uma
contribuição significativa para o então nascente movimento da Nueva Canción Chilena. Três de suas canções
mais conhecidas estão presentes na interpretação do Arrais: Te
recuerdo,Amanda, El arado e a intensa Plegaria a un labrador, que tem um interessante
arranjo percussivo. Através das canções de Victor podemos saber de aspectos íntimos
da sua vida e a sua visão das mudanças provocadas na nação trans-andina pela "vía chilena alsocialismo", empreendida pelo
governo de Salvador Allende. Sua morte nas mãos das forças repressivas plantou
seu trabalho pelo mundo, legado do humanismo e da militância ativa.
Video: El arado
Esta parte del programa finaliza con la conocida zamba
Piedra
y camino, otro clásico de Héctor Roberto Chavero (1908 – 1992), uno de
los más importantes cantautores argentinos. Conocido artísticamente bajo el
seudónimo de Atahualpa Yupanqui, este creador ha dado a conocer importantes
obras basadas en los diferentes ritmos de nuestro país.
Esta parte do programa termina com a famosa zamba Piedra
y camino, outro clássico de Héctor Roberto Chavero (1908-1992), um dos
mais importantes cantores-compositores argentinos.Artisticamente conhecido sob o
pseudônimo de Atahualpa Yupanqui, o criador lançou importantes obras com base
em diferentes ritmos de nosso país.
El ritmo de samba, uno de los más representativos de Brasil,
vuelve a aflorar mediante las composiciones Estácio, Holly, Estáciode Luiz Melodia (Luiz Carlos dos
Santos, nacido en 1951) y Diz que fui por aí de Zé Keti (José
Flores de Jesus)(1921-1999):
Se alguém perguntar por
mim
Diz que fui por aí
Levando um violão / debaixo do braço
Em qualquer esquina eu paro
Em qualquer botequim eu entro
E se houver motivo
É mais um samba que eu faço
Se quiserem saber / se volto diga que sim
Mas só depois que a
saudade se afastar de mim
Só depois que a saudade se afastar de mim
Otro de los grandes compositores de samba ha sido el carioca Noel Rosa (1910 -1937) quien a pesar de
haber vivido sólo 26 años dejó una notable impronta. Ha escrito más de 250 composiciones,
entre las que se destaca el samba humorístico Com que roupa? (1930) y Feitiço
da Vila (1926) interpretadas con gracia por Jara.
O ritmo do samba, um dos mais representativos do Brasil,
retorna para emergir pelas composições Estácio, Holly, Estácio de Luiz
Melodia (Luiz Carlos dos Santos, nascido
em 1951) e Diz que eu fui para aí de Zé Keti (José Flores de
Jesus)(1921-1999).
Outro dos grandes compositores de samba foi o carioca Noel
Rosa (1910-1937), que apesar de ter vivido apenas 26 anos deixou uma marca notável.
Ele tem escrito mais de 250 composições, que entre os quais se destaca o
bem-humorado samba Com que roupa? (1930) e Feitiço da Vila (1926) interpretados
graciosamente por Jara.
La parte final del recital es percibida como una “maratón de
la canción”. El artista brasileño alterna canciones en portugués y en español
en una larga sesión que incluye los títulos Matriz e filial (Lúcio
Cardim), Ela disse-me assim (Lupicínio Rodrigues), La barca(Roberto Cantoral),
Dos
gardenias(Isolina Carrillo) y En el ingenio (Miguel Matamoros). A
modo de bis Diego y Jara recrean El cuarto de Tula (Sergio Siaba),
clásico de clásicos de la música cubana.
A parte final do recital é percebida como uma "maratona"
da canção. O artista brasileiro alternan canções em português e em espanhol em
uma longa sessão que inclui os títulos de Matriz e filial (Lúcio Cardim), Ela
disse -me assim (Lupicínio Rodrigues), La barca (Roberto Cantoral), Dos
gardenias (Isolina Carrillo) e En el ingenio (Miguel Matamoros).
Como bis Diego e Jara recriam El cuarto de Tula (Sergio Siaba),
clássico dos clássicos da música cubana.
Agradecemos por su gentileza a Jara Arrais, Elena Guarner,
Diego Gandolfo y el Centro Cultural Mordisquito.
