domingo, 10 de noviembre de 2019

Andrea Páez y Claudio Enciso en concierto

Ambos intérpretes han compartido desde 2016 varios recitales de música popular. En esta ocasión se adentran en un amplio período que va desde el barroco hasta nuestros días, a través de la guitarra y el piano. 


Concierto de Guitarra y Piano
Andrea Páez y Claudio Enciso
Parroquia Nuestra Señora del Rosario
Bonpland 1987
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Argentina
Domingo 3 de noviembre de 2019

Andrea Páez es Licenciada en Fonoaudilogía en la Universidad del Museo Social Argentino (UMSA) y ha cursado estudios artísticos en el Conservatorio Nacional de Música "Carlos López Buchardo". Claudio Javier Enciso es músico y docente, egresado del Instituto Superior de Arte "Oscar Alberto Albertazzi" de la ciudad de Formosa. Su debut en Buenos Aires se produjo en octubre de 2015 en el marco del Concurso y Festival Internacional de Guitarra "Santa María de los Buenos Ayres". Ambos músicos se presentaron conjuntamente en diferentes conciertos de música popular, abarcando un repertorio donde confluyen obras de raíz folklórica argentina y latinoamericana, canciones populares y composiciones de rock nacional. Esta tarde Andrea y Claudio, que continúan perfeccionándose profesionalmente en la Universidad Nacional de las Artes (UNA), nos ofrecieron una serie de obras instrumentales que comienzan en el período barroco y llegan hasta la actualidad.

Andrea Páez

La primera parte del programa ha sido protagonizada por Andrea, quien nos brindó su interpretación de la Sonata en fa mayor Hob. XVI 23 de Joseph Haydn (1772 - 1809). Compositor austriaco del período clásico, Haydn es considerado "el padre de la sinfonía". Mantuvo gran amistad con Wolfgang Amadeus Mozart y fue profesor de Ludwig van Beethoven. En el video adjunto puede disfrutarse la versión de Andrea Páez, quien interpretó los movimientos: I. Allegro y II. Adagio

Video: Sonata en fa mayor 

La segunda parte del concierto estuvo compuesta por cinco obras de diferentes períodos históricos, todas ellas interpretadas en guitarra por Claudio Enciso. La primera  ha sido la Sonata en do mayor Op. 15 de Mauro Giuliani, de nombre real Mauro Giuseppe Sergio Pantaleo Giuliano (1781 - 1829), compositor y guitarrista italiano del Romanticismo. La obra se divide en tres movimientos: I. Allegro Spiritoso; II. Adagio y III.Allegro vivace. La riqueza melódica de la obra está versionada de manera cálida y apasionada por el joven intérprete.

Claudio Javier Enciso

Nos adentramos en el barroco a través de la Partita BWV 1002, Sarabande & Doublé, de Johann Sebastian Bach (1685 - 1750), compositor, organista, clavecinista, violinista, maestro de capilla y cantor alemán de reconocimiento mundial.  Claudio brinda a la obra un estilo sobrio  y a la vez preciso, destacando los detalles que la caracterizan.

Juan Leovigildo Brower Mesquida (más conocido como Leo Brower), nacido en 1939 en La Habana, es guitarrista, compositor y director de orquesta. Comenzó a tocar guitarra a los 13 años de edad, influido por la música afrocubana. Más adelante, a fines de los años 60, fundó y dirigió el Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC, en el que participaron Silvio Rodríguez, Sara González y Pablo Milanés.  Su obra Canción de cuna es una adaptación para guitarra de la célebre composición Drume, negrita de Ernesto Grenet (1908 - 1981). 

Video: Canción de cuna

El compositor paraguayo Agustín Barrios (1885 - 1944) fue "uno de los más grandes concertistas del mundo", según lo caracterizó la prensa sudamericana tras sus primeras giras internacionales. Sus amplios conocimientos musicales le permitieron componer en diferentes estilos, basados mayormente en cantos y danzas de América Latina. Entre sus más de 300 composiciones para guitarra se cuenta la barcarola Julia Florida, dedicada por Claudio a su alumno Carlos Antonio Tesoriere, fallecido hace pocos meses. 



El último segmento del recital está dedicado a la figura de Heitor Villa-Lobos (1887 - 1959), director de orquesta y compositor brasileño influenciado tanto por la música europea como por el folklore brasileño. Claudio nos brindó sendas interpretaciones de dos de sus preludios compuestos en la década de 1940. El Preludio N° 3 (Homenaje a Bach) ha sido estrenado en 1942; la versión de Claudio Enciso puede disfrutarse en este registro audiovisual:


Video: Preludio N° 3

El cierre estuvo dado por el Preludio N° 1 (Melodía Lírica), de 1940, caracterizado por la simulación del sonido del violoncello en las cuerdas graves de la guitarra. Claudio se despidió de escena agradeciendo a sus maestros Walter Ujaldón y Marcela Sfriso.

Agradecemos la colaboración de ambos artistas en la realización de esta crónica.

martes, 5 de noviembre de 2019

Segundo campamento de música litoraleña (III): Concierto

El cierre de este evento se celebró en el espacio recuperado donde funcionó por muchos años el cine Astor.



Segundo Campamento de Música Litoraleña:
Concierto de cierre
Espacio Cultural Gobbi
18 de Julio 771
Paysandú
Uruguay
Domingo 20 de octubre de 2019

La labor realizada durante los dos primeros días de "campamento" ha quedado plasmada en el concierto que dio cierre a este evento binacional. Por la mañana, la propuesta de los organizadores fue realizar un recorrido por las calles céntricas de la ciudad en compañía de Ana María, guía turística que nos adentró en la historia regional, las batallas por la independencia del Uruguay y los grandes héroes locales como el general Leandro Gómez. El recorrido comenzó en la Basílica Nuestra Señora del Rosario y San Benito de Palermo, frente a la Plaza Constitución y finalizó en el predio donde fuera fusilado el defensor de la ciudad. Anécdotas e informaciones poco conocidas de los edificios históricos y de la familia de Leandro Gómez aportaron datos interesantes para una mejor comprensión de la historia de Paysandú.

Esperando el almuerzo se realizaron los últimos ensayos. Nos despedimos del paisaje costero en un día nublado y con algunas lluvias--contrastando con las condiciones climáticas de días anteriores--rumbo a la flamante sala "Espacio Cultural Gobbi", que desde su nombre rinde homenaje al músico sanducero Alfredo Eusebio Gobbi (1877 - 1938), uno de los artistas más exitosos en los primeros tiempos del tango. 

Espacio Cultural Gobbi

Tras el ingreso de la importante delegación de músicos, los técnicos de sonido de la Dirección de Cultura adecuaron las tomas de los micrófonos a las guitarras y demás instrumentos que serían utilizados en escena. Cada ensamble probó sonido y poco tiempo después empezó el espectáculo.

El primer ensamble, integrado por Omar Angioni, Pablo Chávez, Eduardo Lemes, José Medina y Lara Fernández Castro debutó en esta sala con la polca Doña Eusebia, de Aníbal Sampayo. Este enorme compositor sanducero, nacido en 1926 y fallecido en 2007, ha estado presente en varias de las obras elegidas por los músicos participantes del Segundo Campamento de Música Litoraleña.

Omar, Pablo, Eduardo, José y Lara

La segunda interpretación del quinteto fue la del tema La costera, con música de Luis Alberto "Chichí" Vidiella y música de Aníbal Sampayo. Puede disfrutarse a través del registro audiovisual:

Video: La costera

Facundo Torresán, Juan Andrés Silva, Mario Fernández, Guillermo Zdanowicz, Matilde Muñoz y Micaela Duré integraron el segundo ensamble. Durante el primer tema, la milonga Las dos querencias, Micaela recitó coplas de su autoría. El compositor de la obra es Víctor Lima (1921 - 1969), poeta y compositor oriundo de Salto, en el litoral uruguayo.

Facundo, Juan Andrés, Mario, Matilde, Guillermo y Micaela

Para la segunda versión salió Guillermo Zdanowicz y entró en escena Joselo Pina (guitarra). La canción elegida ha sido La pescadora, de Mario Fernández:

Video: La pescadora

Cerro de La Matanza (A. Sampayo) es la primera canción que nos brinda el ensamble compuesto por Natalio Sturla, Richard García, Matías Zdanowicz, Miguel Chaparro, Daniel Viola, Mario Mieres, Marta Estévez, Agustín García y Jimena Sosa. El título de la canción alude al actual punto turístico sito en Victoria (Entre Ríos), donde habitaron durante siglos minuanes, charrúas y chanáes. Estos pobladores originarios fueron masacrados en febrero de 1750 por orden del gobernador bonaerense José Antonio Andonaegui, dando lugar a esa denominación. 

Facundo, Mario, Richard, Miguel, Marta, Jimena y Matías

Matías y Agustín

Natalio y Mario

Como segunda pieza, este conjunto ha elegido versionar otra obra de Sampayo: La cañera, que puede apreciarse en video:

Video: La cañera


Esteban Larrosa

Esteban José Larrosa, músico y conductor radial oriundo de Maciá, Entre Ríos, ofició de presentador, con simpatía y amplio conocimiento de los músicos y las obras que interpretaron. A continuación entró en escena el cuarto ensamble, que contó con las voces e instrumentos de Natalio Sturla, Omar Peltzer, Rafael Márquez, Facundo Martínez, Patricia Bernasconi y Olivia Reinhartt. Este conjunto nos ofreció escuchar, en primer lugar, la obra Viajeras del Montiel, de Carlos Santamaría.

Omar, Rafael y Facundo

Patricia y Olivia (cajones peruanos)

Natalio y Omar

Este grupo se despidió con la canción Vaya con la diferencia, del compositor Miguel Ángel Palomeque, oriundo de Pueblo Belso (Paysandú). Palomeque, artista de larga trayectoria en el folklore, ha participado de espectáculos como el "Concurso de la Chamarrita Inédita" (Diamante, Argentina, 1985); "Festival a Canto y Corazón" (Guichón), "Festival de Durazno", "Semana Aníbal Sampayo" y "Festival de San José" (Young, Río Negro). 

Video: Vaya con la diferencia

Uberfil Correa Silva, Tito Mendaro, Cecilia Castro, Marco Norbis, Lucía Zdanowicz, Jorge Rivero y Hugo Wilkinson conformaron el último ensamble que subió al escenario. Comenzaron con su versión del tema Río del Palomo, compuesto por Oscar Pina y Tito Mendaro en homenaje a Aníbal Sampayo.

Uberfil, Tito, Cecilia, Jorge, Hugo, Marco y Lucía

La segunda canción de este elenco es La sencillita, del recordado cantautor José Carbajal "El Sabalero". Nacido en Juan Lacaze (Colonia) en 1943, Carbajal compuso e interpretó varias obras exitosas como Chiquillada y A mi gente, muy populares en América Latina. Durante los años 70 vivió un largo exilio en Holanda, regresando en 1984 al Uruguay. Víctima de un paro cardíaco, "El Sabalero" falleció en 2010 en Canelones. 

Video: La sencillita

Como gran cierre, todos los artistas de esta jornada ofrecieron a la audiencia su versión de Verde litoral, de Aníbal Sampayo.

Video: Verde litoral

Antes de la despedida, los músicos entrerrianos extiendieron una invitación para los músicos y el público sanduceros a participar del próximo encuentro De Costa a Costa, que se realizará los días 31 de enero, 1 y 2 de febrero de 2019 en Concepción del Uruguay.

Agradecimientos especiales a Hugo Daniel Rodríguez, Roberto "Fierro" Hernández, Autoridades y trabajadores del Museo de la Tradición y el Espacio Cultural Gobbi (Intendencia Departamental de Paysandú), así como a cada uno de los músicos participantes de este encuentro.

sábado, 2 de noviembre de 2019

Segundo Campamento de Música Litoraleña (II)

La segunda jornada contó con ensayos, charlas y una caminata al Muelle Aníbal Sampayo



Segundo Campamento de Música Litoraleña
Museo de la Tradición
Av. de Los Iracundos esquina Instrucciones del Año XIII
Paysandú
Uruguay
Sábado 19 de octubre de 2019

Las actividades del día sábado comenzaron temprano, con una ronda informal de canciones que precedieron las primeras charlas. Pudimos disfrutar de una hermosa creación de Aníbal Sampayo interpretada por Eduardo "Chito" Lemes y Mario Fernández, músicos sanduceros que participaron activamente del encuentro:

Video: Viejo nutriero

A continuación Omar Angioni, integrante del conjunto "Musiqueros del Fogón", nos introduce brevemente en el conocimiento de ritmos de origen brasileño como el choro, el baión (baião)y el baneirao.

Omar Angioni

Uberfil Correa Silva, músico sanducero residente en Solymar (Canelones) nos presenta un baneirao de su autoría, seguido por una presentación conjunta con Omar Angioni:


Video: El presumido


Mario Fernández y Hugo D. Rodríguez

Eduardo "Chito" Lemes

Posteriormente, y tal como sucediera en la primera edición, se forman ensambles mixtos (músicos entrerrianos y sanduceros) que ensayarán dos canciones cada uno, las cuales serán presentadas en el gran cierre del evento. Después del almuerzo nos reunimos nuevamente bajo los árboles del Museo de la Tradición, donde continúa la ronda musical. Laura González Cabezudo, actriz, psicóloga y cantautora sanducera, llegó desde Montevideo para participar de este evento. En primer término comparte con nosotros una canción propia, Lo que queda de todo  (2013). La acompaña en acordeón Facundo Torresán:


Video: Lo que queda de todo

Le sigue una hermosa versión de Garzas viajeras (A. Sampayo), sumándose al dúo Julio García y Atahualpa Puchulu (guitarras). 

Llega el momento de iniciar un breve viaje. Y lo hacemos acompañados por el canto y los instrumentos de varios de los músicos participantes. La Avenida de Los Iracundos, en la costa del río Uruguay, se llena de música en una hermosa tarde soleada. De las canciones interpretadas durante la caminata hemos registrado Ky Chororo, un clásico de Aníbal Sampayo por Natalio Sturla, Facundo Torresán, Omar Angioni, Uberfil Correa (acordeones), Ángel Juan Javier Muñoz y Marta Estévez (guitarra y canto) más un gran coro por el resto de los participantes:

Video: Ky Chororo

Omar Peltzer, Natalio Sturla, Facundo Torresán, Pablo Chávez y Uberfil Correa

Cecilia Castro, Marta Estévez, Hugo Wilkinson, Ángel Muñoz y Lucía Zdanowicz

Finalmente llegamos al Muelle Aníbal Sampayo (MAS), antiguo muelle de la petrolera Shell remodelado y reinaugurado a fines de agosto de este año por el intendente (gobernador) Guillermo Caraballo, la ministra de Turismo Liliam Kechichián, la presidenta de la Cámara de Representantes Cecilia Bottino y el cónsul argentino en Paysandú, Nicolás Domingo. 

Muelle Aníbal Sampayo


Paseantes y pescadores disfrutaron de manera gratuita de un  recital que incluyó varias canciones del artista homenajeado. Entre ellas la muy difundida Garzas viajeras, que ha quedado registrada de manera audiovisual:

Video: Garzas viajeras

Mario Fernández (centro). Ata Puchulu, Hugo Wilkinson, Daniel Torresán, Ernesto Larrosa y Uberfil Correa

Vista del río Uruguay desde el Muelle. Al fondo, el puente internacional "General Artigas", que une las ciudades de Colón (Argentina) y Paysandú (Uruguay)

Tito Macchi y Eduardo Lemes

De regreso en el Museo asistimos a una serie de Charlas muy interesantes, a cargo de músicos locales. La primera de ellas versa sobre los Textos de las Canciones y está desarrollada por Oscar Pina, integrante del Cuarteto Ivirapú

Oscar Pina

La charla tiene como referencia principal el libro "Cursillo de versificación", del payador y escritor uruguayo Abel Soria (1937 - 2016). Según nos cuenta Oscar, el verso musicalizado posee características diferentes por su estructura. No es lo mismo que un poema; la labor de musicalizar versos es muy difícil. El verso es "una palabra o conjunto de palabras sujetos a una cadencia". Cuando se escribe en verso hay que tratar de no forzar la palabra.

Posteriormente se refiere a los tipos de versos. El verso tipo es el que posee la última palabra grave o llana. Si ese verso termina en una palabra aguda se le resta una sílaba, mientras que al ser esdrújula la palabra, queda en nueve versos. También nos habla de la sinalefa, una licencia poética. Al formar un diptongo en la frase, se resta una sílaba al verso. "Si se conoce esto, ayuda a que los versos queden bien hechos, bien definidos", nos dice Oscar. Según él, la simbiosis "perfecta" o más linda es la de música y poesía.

La rima consonante aparece en versos de hasta 6 ó 7 sílabas, siendo un "arte mayor" el que posee hasta 18 sílabas. Un ejemplo, según varios autores, es el de la huella, que posee dos decasílabos o versos pentasílabos más versos hexasílabos. El "arte menor" reconoce versos pareados (2 veces), tercerilla, redondilla (cuarteto: el primer verso rima con el cuarto y el segundo con el tercero), la cuarteta libre (primer verso libre, segundo y cuarto riman, tercero libre. Pueden ser de rima consonante o asonante), quintilla, sextilla, octavilla, etc. 


Otro dato interesante que nos comparte Oscar Pina es la mención a dos temas musicales que no tienen rima. Uno de ellos es El indio muerto, de Gerardo López:

El cielo está enlutado
de opaco poncho de nubes,
el día murió a lo lejos,
lo están velando arreboles.

Los cerros devuelven ecos
del canto del chilicote
que perdido entre los yuyos
corea responsos tristes
………………………………………

El otro tema citado es la cueca de Ariel Ramírez y Félix Luna Alfonsina y el mar:

Por la blanda arena que lame el mar
su pequeña huella no vuelve más,
un sendero solo de pena y silencio llegó
hasta el agua profunda.
Un sendero solo de penas mudas llegó
hasta la espuma.
………………………………..

Ambas canciones fueron grabadas por la recordada cantante tucumana Mercedes Sosa. Nos sigue contando Oscar: "estos versos no tienen rima pero tienen metro, y eso es lo que importa para el músico"

Oscar finaliza su charla sugiriendo "no forzar el acento para que quede la frase correcta".

Guille Lugrin, músico nacido en Concepción del Uruguay, integrante del movimiento "De Costa a Costa", nos brindará un panorama del Cancionero de Entre Ríos. Algunos pasajes de la charla están tomados del libro "Vida y muerte de López Jordán", de Fermín Chávez (Hyspamérica, 1986 ISBN 978-950-614-539-8): "Por esos días (1870) Arroyo de la China y Paysandú tenían ranchos que encendían los fogones a la misma hora". También habla de "la unión de la historia y la cultura de Entre Ríos y esta otra costa del río Uruguay".

Guille Lugrin

"El cancionero de Entre Ríos tiene que ver con la cultura del Río de la Plata, la llanura pampeana y el litoral. En "De Costa a Costa" venimos investigando la creación de un pueblo a través de una generación. He elegido tres temáticas:

1. La naturaleza (descripción, paisajes)
2. La historia (posturas, batallas, anécdotas, próceres)
3. Los oficios (técnicas, explotación, arrieros, etc)".

"Me llama la atención el juego de contrastes en las músicas de Corrientes y Chaco respecto a las entrerrianas. Por otra parte, podríamos citar otras tres temáticas ("temáticas B"):

4. La nostalgia (Entre Ríos es una provincia tremendamente expulsora)
5. Amor y desamor
6. Familia y niñez".

"En la generalidad del cancionero podemos citar que el 'canto de protesta' no es lo mismo que el 'canto con fundamento'. Miguel 'El Zurdo' Martínez decía que la canción no debería ser panfletaria. Cuando yo buscaba en el cancionero popular encontré un oasis en Aníbal Sampayo, el Zurdo Martínez y Marcelino Román".



"La cultura es 'un alero donde refugiarse'. Pensando en el repertorio de Aníbal Sampayo, posee todo: canto con fundamento, canción protesta y canción descriptiva".

"En cuanto a propuestas, en Entre Ríos hay una infinidad y 'tradición' de poetas, algunos de ellos muy famosos: Arnaldo Calveyra (1929 - 2015), Juan Laurentino Ortiz (1896 - 1978), Carlos Mastronardi (1901 - 1976) y José Eduardo Seri (1911 - 1976).  Hay en su obra mucho arraigo con el paisaje y la naturaleza. Ninguno de ellos ha hecho canciones. Cabe destacar que Entre Ríos es el único distrito que tiene su Fiesta Provincial de la Poesía".

"Otro concepto importante es que la canción es un género literario. La propuesta que quiero dejar es que nos plantemos 'en dos patas'. Una 'pata' es el cancionero y la otra es la poesía a la hora de componer".

"Leer un cuento de (Juan José) Manauta es como escuchar una canción de Omar Peltzer, por ejemplo".

"No debemos desaprovechar la riqueza poética de Entre Ríos. Aquí el soneto es 'como folklore'".

Antes de la próxima exposición, Rafael Márquez canta la milonga Pájaros en trino acompañado en guitarra por Julio García.

Rafael Márquez y Julio García

Y es precisamente Rafael Márquez quien cierra esta jornada de charlas a través de un tema muy interesante como lo es el de los Payadores. La milonga que interpretó como introducción a esta ponencia está escrita en décimas de espinel, que deben su nombre a Vicente Gómez Martínez Espinel (1550 - 1624). Fue sacerdote, escritor y músico español del Siglo de Oro. Educado en la Universidad de Salamanca, Espinel sentó las bases (la métrica) de lo que serán las payadas en el Río de la Plata.

"Las décimas de espinel comienzan con redondilla, estrofa de cuatro versos normalmente octosílabos en la forma ABBA".

"En Uruguay el 24 de agosto es el Día del Payador en homenaje a Bartolomé Hidalgo (1788 - 1822), quien se unió a la revolución de José Artigas en Paysandú. No payaba en décimas sino en cielitos, valses y cifras. En Argentina se celebra el 23 de julo, día de la payada de Gabino Ezeiza (1858 - 1916) con Juan de Nava (1884). Gabino le gana a Nava porque introduce el ritmo de la milonga. Gabino Ezeiza es un gran estudioso de la revolución artiguista. Otro personaje importante de esa época es el Negro Ansina (Joaquín Lenzina, 1760 - 1860), un payador y gran estratega militar".

Rafael Márquez

"En aquella época el payador era el primer reportero y por lo tanto sufría hostigamientos. Cuando Gabino Ezeiza llegó a Paysandú buscaba un lugar donde ser bien recibido. Cuando desembarcó recitó Heroico Paysandú, del cual se anotaron sus frases más relevantes, las que perduraron en la historia. A Ezeiza no lo esperaban amistosamente a causa de aquella payada ganada en Montevideo".

Finalizando su ponencia, Rafael cita a Personajes mitológicos de la payada:

José Curbelo (n. 1949): "El payador pertenece a la tierra donde anda"

Santos Vega (1755 - 1825), gaucho argentino que recorría San Clemente del Tuyú, provincia de Buenos Aires. Dicen que fue vencido por el "Diablo", quien era en realidad Juan Gualberto Godoy (1793 - 1864), quien estudió gramática latina y era más joven que Vega. Godoy. nacido en Mendoza, introdujo el metro en las payadas. Empezó a encuadrar la poesía repentista con mayor precisión. 

Hasta aquí el programa oficial del día sábado. Después de la cena se realizará una peña con varios de los artistas participantes (algunos partirán a sus ciudades por otros compromisos laborales y personales). La última jornada se coronará con un recital en el Espacio Cultural Gobbi.

sábado, 26 de octubre de 2019

Segundo Campamento de Música Litoraleña (I)

Como en octubre de 2015, este evento reunió a artistas de ambas orillas del río Uruguay a través de charlas, talleres, peñas y conciertos de gran interés regional.



Segundo Campamento de Música Litoraleña
Museo de la Tradición
Av. de los Iracundos esquina Instrucciones del Año XIII
Paysandú
Uruguay
Viernes 18 de octubre de 2019

El 17 de octubre de 2015 se realizó en esta ciudad el primer encuentro binacional llamado "Primer Campamento de Música Litoraleña", organizado conjuntamente por el Consejo de Cultura de la Intendencia Departamental de Paysandú (Uruguay) y el Movimiento de Música Entrerriana "De Costa a Costa" (Argentina). Las condiciones climáticas no permitieron la realización del festival a orillas del río Uruguay, por lo que las actividades tuvieron lugar en la Casa de Cultura de esa ciudad. Aquella experiencia ha permitido la realización de una segunda edición, esta vez con las características ideadas originalmente. Varias de las actividades se realizaron al aire libre, en los jardines del Museo de la Tradición, frente a la costa del río.  


Fuimos recibidos muy cordialmente por los músicos Hugo Daniel Rodríguez y Roberto Hernández, integrantes de la comisión organizadora, en el cálido mediodía de este viernes; de a poco comenzaron a llegar músicos locales y delegaciones de la provincia argentina de Entre Ríos. Sentados en ronda debajo de una frondosa arboleda, nos fuimos presentando de manera previa a las primeras actividades: sendas charlas acerca de Ritmos y géneros del Litoral.

Hugo D. Rodríguez: "Un poco la idea de esto es seguir el sentir de Aníbal Sampayo en eso de la integración. Somos parte de una misma región. Acá todos hablamos igual, nos vestimos igual, calzamos alpargatas, tomamos mate, hacemos las mismas canciones, las mismas melodías. Tenemos una Federación Artiguista acá que nos reúne".

Hugo Daniel Rodríguez

Facundo Torresán: "Vamos a ir haciendo un contrapunto con el amigo Mario Fernández. Pueden ir preguntando. Uno de los géneros que más se tocan--más populares, si se quiere--es el chamamé. En Entre Ríos el chamamé se toca en lo que es el centro - norte de la provincia (esta zona es muy chamamecera); el festival más antiguo de chamamé de la República Argentina se realiza en Federal. Y Entre Ríos tiene una característica muy particular: en el chamamé se diferencia mucho de las otras provincias. Cuando nosotros vamos a tocar a Corrientes por ahí nos damos cuenta del estilo entrerriano de hacer chamamé y cómo se toca en otros lugares. En nuestra provincia surgió un estilo en tonalidad menor, cuando en las diferentes regiones (Corrientes, Chaco, Misiones) está más instalada la tonalidad mayor. En nuestra provincia, generalmente, el chamamé se toca en tonalidad menor y hay una serie de compositores que, a partir de la década de 1930 o 1940 empiezan a aparecer y a componer de esa manera. El principal referente es Abelardo Dimotta, de Villaguay (1921 - 1992). Después va a aparecer Edmundo Pérez, de Pueblo Brugo (n. 1932), esto está más en la costa del Paraná, por ahí no son tan cercanos a nuestra costa. También aparece Ricardo Zandomeni (1929 - 2010)".

Facundo Torresán

"De la costa del río Uruguay, más al norte de Chajarí, Ismael Torales (n. 1964), que es más contemporáneo a nosotros; Ramón Sixto Ríos (1913 - 1995), con su chamamé Merceditas, en tonalidad menor, que tiene características bien entrerrianas y una armonía muy desarrollada. No sólo está la tónica y la dominante, para quienes tocan guitarra y acordeón, tono y dominante, sino que aparece un cuarto grado, un dominante de tercero, y da toda una vueltita de acordes, digamos, que empieza a aparecer en una serie de obras musicales con características en esa melodía en base a la armonía, a diferencia de otros lugares donde se piensa más en lo rítmico. Se toca en tono dominante y la característica es que el chamamé es muy rítmico: tiene muchas notas, mucha escala, no es una línea melódica, una cuestión de virtuosismo sobre una tónica dominante. Voy a ir al acordeón así les muestro un poquito."

Video: Fragmentos de chamamés y preguntas del público


Chito Lemes: "Esta música también tiene influencias del Paraguay".

Facundo: "Seguramente sí. Cuando nosotros vamos a tocar a la Fiesta del Chamamé como que vemos esta característica, es decir cómo las regiones se van "entrecruzando" y van generando estilos "intermedios", como lo explica siempre Raúl Barboza. Según él, Ernesto Montiel tiene ese estilo tan rítmico de tocar el acordeón (es de Paso de los Libres, Corrientes) porque está muy cerca de Brasil. Los brasileños son virtuosos en el acordeón. En cambio vos te vas a la región oeste de Corrientes y te encontrás con otro estilo (como el de Mario del) Tránsito Cocomarola. Cuando vos te vas a Misiones ahí sí encontrás alguna conjunción entre Brasil y Paraguay, que están impregnados también de muchas músicas. Sin dudas que nos vamos "entrecruzando" entre las regiones".
Mario Fernández 

Facundo cede la palabra al músico sanducero Mario Fernández: "Bueno, lo mío no es tan catedrático, sino demostrativo. Nosotros empezamos a tocar en la década de 1960 y nos encontramos con la música del Cholo Aguirre (Félix Alberto Aguirre, n. 1928) y hallamos ritmos diferentes. Con Aníbal Sampayo escuchábamos y decíamos que eran "todos parientes": yo comparé mucho, el ritmo tiene mucho que ver con el paisaje y con las cosas. Por ejemplo, en la exhuberancia de la selva... (toca la guitarra) hay un ritmo avasallante como el de la galopa. Más al sur es más suave. En el litoral, en la parte de Corrientes, el gauchaje para festejar tiene que moverse..." (continúa en el video adjunto)

Video: Taller. Ritmos del Litoral (Mario Fernández)

Marta Estévez: "Yo quiero hacer una pregunta. ¿Va a cantar un tema entero?"

Mario: "Yo canto muy feo" (risas)

Marta: "Un tema gratis. Con los pedacitos me estoy poniendo nerviosa". 

Tito Mendaro: "Decías vos que hacen el arpegiado distinto de la chamarrita. Hemos discutido sobre la 'pureza' de los ritmos. Una de las cosas que decíamos--y queríamos que vinieran más gurises jóvenes (quizás mañana van a venir) porque Hugo dijo algo la otra vez y tiene razón: los gurises más jóvenes deberían aprender por lo menos cuáles son los orígenes y después si tienen que hacerles alguna variante está bien, porque la música no es estática. Todo viene de atrás y se va dinámicamente moviendo. Lo que yo he defendido mucho es que hay estilos. El rancho 'e la Cambicha dice: 

chamamé de sobrepaso
......................................
al estilo oriental "

Público: "El rancho 'e la Cambicha ha dejado más discusiones..."

Hugo: "No lo han hecho cumbia después?"

Tito: "Hace un par de meses, durante la Semana Aníbal Sampayo, hablaba con un señor argentino que hizo una chamarrita y le digo: 'me la tenés que enseñar'. Me alucinó porque es algo distinto a lo que hacemos nosotros. Entonces hay estilos, como la chamarrita brasileña, que es distinta. No se puede ser tan purista de decir: 'esto es así'. Está bueno conocer los orígenes, cómo arrancó, y después nosotros tenemos un gran referente como fue El Sabalero (José Carabajal, 1943 - 2010) que hacía unas chamarritas medio punteadas, muy de tierra".

Tito Mendaro

"Pongo otro ejemplo: un día Alberto Cortez quiso grabar canciones de Gardel. El tipo sabía que lo iban a crucificar porque las iba a hacer medio aboleradas. El titulo del casete (en aquella época) fue Gardel: como yo te siento. De esa forma no había crítica posible. Por eso, a veces, uno va a si un tema emociona o no emociona".

Facundo: "Esta claro que las regiones generan esos modismos, esas formas de tocar. Acá ustedes lo tocan así (toca) y nosotros (toca). En Entre Ríos está más de esa forma.  Después se fue simplificando y algunos lo tocan (toca) y aparece la chamarrita tocada de esa manera. No deja de ser chamarrita. Son modos del arpegio. A nosotros nos pasó a lo largo de De Costa a Costa con el tanguito montielero. Es una música que se tocaba sólo en el acordeón, según los datos que hay, aunque hay grabaciones de un guitarrista, Güicho Franco. Se tocaba a fines del siglo XIX y principios del siglo XX; los que traen de vuelta el género, los que lo ponen en vigencia aparecen en las décadas de 1960 y 1970, por ejemplo, Ricardo Zandomeni y Edmundo Pérez. A eso que ellos tocaban en acordeón como tanguito montielero le pusieron un rasguido a la guitarra. Esa corriente de chamameceros, acordeonistas, cuando tocaba el tanguito montielero, la guitarra rasgueaba. (Ejemplifica tocando). Por ahí chasqueaba también (toca). Esa es una de las variantes. Hay otra variante que aparece a través de los que tocaban más chamarritas. Una corriente de chamarriteros que lo lleva a la guitarra de otra manera, mucho más chasqueada (toca)".

Tito: "Eso quiere decir que la guitarra fue adaptada". 

Facundo: "En las décadas del '60 y '70 el tanguito montielero se adaptó o a la voz (en el tanguito montielero cantado) o al acordeón. Ahí no nos podemos basar en que el rasguido es lo que al género le da la identidad porque hay un montón de otras cosas que le dan la identidad a ese género para decirle tanguito montielero".

Agustín García y Facundo Torresán

"En el acordeón aparecen melodías un poco más largas, bien lentas, bien arrastraditas en esos tanguitos montieleros instrumentales (toca un fragmento). Esta música estaba en el acordeón en Entre Ríos a fines del siglo XIX y principios del siglo XX. Después aparecen estos cultores que la ponen nuevamente en vigencia en los años 60 - 70 y ahora aparecemos algunos locos a los que se nos da por tocar estas músicas, y hay familias que las han traído de generación en generación, como por ejemplo la familia Müller (Marcia Müller, Alcides Müller, doña Elena, la mamá de Alcides). Nos llegan estas músicas a nosotros para tocarlas aquí".

"En cuanto a la chamarrita, el acordeón en la chamarrita que conocemos ahora aparece directamente en las grabaciones de las décadas mencionadas con Miguelito González primeramente, y luego surgen otros acordeonistas como Tomasi con los hermanos De Piazzi que le ponen todo un color a la forma. Y la referencia directa es acompañar al cantante. No tenemos demasiadas chamarritas instrumentales en el acordeón, como sí en el tanguito montielero. Entonces aparece el acordeón como adornando introducciones conocidas como...(toca); una forma de tocar que la pone mucho Miguelito como...(toca). Lo de la chamarrita va más por ese lado. de cómo se inserta el acordeón en función de adornar ese movimiento de cantantes que surge en ese momento y el acordeón ingresa como para darle un color".

Tito: "Hay una grabación de Zitarrosa, no sé si la cantaría siempre así, de Chamarrita de los milicos, que va rasgueada, no arpegiada. Las primeras veces que la escuché no sabía lo que era".


Mario: "Quiero dejar bien en claro lo mío. Yo envejecí con esto. Pero esto es una profesión, esto lo aprendí así. Ahora esto es la raíz y en la rama están ustedes, los gurises, los jóvenes".

Público: "Hago una pregunta: el ritmo de tanguito montielero lo unificaron con el de la chamarrita o el rasguido doble o es un ritmo nuevo que nació?"

Facundo: "Es una buena pregunta. Es la pregunta del millón. Nosotros llevamos hace dos años al Congreso del Chamamé que se hace en Corrientes un trabajo con la profesora Marcia Müller, un trabajo de investigación donde nosotros nos planteábamos el origen del chamamé. Los profesores de historia hablaban de toda la región guaranítica, de todo lo que pasó en el siglo XVIII, se saltean el siglo XIX y entran directamente a la década del '30 del siglo XX. Y lo que pasa ahí, en ese lapso entre 1850 y 1930 es muy importante porque llega el acordeón. Y el acordeón es lo que le da vida, prácticamente, al género. Si bien hay grabaciones de orquestas que lo tocaban con cuerdas y otro tipo de instrumentos, cuando aparece el acordeón es como que toma identidad y color. Entonces nuestro planteo era: ¿Qué pasa con el acordeón en Corrientes en ese momento? Investigando y averiguando con los historiadores, con la gente que sabe del tema, por ejemplo, Juan Pedro Zubieta, no hay casi registros de gente que haya tenido acordeón y partidas de acordeones que hayan entrado en ese momento, pues Corrientes rechaza a los inmigrantes.  Muchos de los inmigrantes que terminaron en Entre Ríos (son los que trae Urquiza en la primera ola migratoria) no habían sido aceptados por Corrientes. Entonces van a Entre Ríos y ahí se instala el acordeón. Tengamos en cuenta que en esa provincia ya había música criolla que llegaba de la región rioplatense (estilos, milonga, cifra), músicas que estaban muy vivas en el siglo XIX y llega un instrumento con melodías europeas a ese lugar.  En esa conjunción nosotros suponemos--estamos generando algunas líneas de investigación--que hay algunos registros y algunos datos que están grabados. Hay algunas grabaciones de Carlos Vega que dicen algo de la década de 1940. Esas grabaciones contienen algo de material de registros, por ejemplo, del guitarrista Agustín "Güicho" Franco, quien dice haber aprendido música en la selva de Montiel, en el norte entrerriano, en 1905. Dice: voy a tocar un tango antiguo que ahora lo llaman chamamé, y toca una especie de tango montielero. Entonces tenemos que pensar que en 1900 no había ni radio ni otro tipo de comunicación. Entonces la gente se pasaba música. Y el acordeón estaba en la provincia ya. Nadie que ha tocado tanguito montielero, que les llegó de generación en generación, dice :'esto era una chamarrita que se deformó' o 'un chamamé que agarró otra característica' ni 'un rasguido doble que ya existía". Es más, el primer rasguido doble inscripto como tal es El rancho 'e la Cambicha. Si vos lo escuchás es más parecido a lo que ahora llamamos tanguito montielero que a un rasguido doble. Con un (Mario) Millán Medina que en aquellos años habitó y compuso muchas cosas en Entre Ríos".

"Si nosotros tenemos que plantear una hipótesis (no una certeza, sino una hipótesis) a nosotros nos parece que el tanguito montielero estaba mucho más instalado (o esta música que era como un gen de otras músicas que después surgieron) a fines del siglo XIX y principios del XX que otros géneros. No sé si denominado tanguito montielero, muchos decían 'tocábamos una campera, una polca correntina, un antiguallo (como dice el Zurdo Caballero). Le ponían nombres a esa música que fue pasando de generación en generación y nos llegó como esto, como tanguito montielero, que no es la deformación de nada. En todo caso podría haber sido--creemos nosotros--el gen de otras cosas. Por ejemplo--no lo podemos dar como certeza--podría haber originado el rasguido doble en esa gama de músicas hermanas que después, por la venida de las discográficas, de SADAIC, que hay que inscribir y demás, empiezan a poner nombre a cada uno de los géneros. Recién ahí empiezan a diferenciar. Esta es la hipótesis: del mismo gen empiezan a diferenciarse los géneros musicales. Llevamos ese trabajo al Congreso del Chamamé para plantear una hipótesis sobre esos años (1850 - 1930). Hay indicios de antes, de las comunidades guaraníes, por ejemplo, y toda la historia de cuando empieza la discografía. Pero ahí queda un blanco en la historia que no podemos todavía decir 'fue así o fue asá'. Ningún investigador lo planteó de esa manera. Por ahí va la respuesta".

(Aplausos)

Guille Lugrin: "Voy a agregar algo. En general uno habla de Entre Ríos pero está sumamente sectorizado el tanguito montielero, que es en el Paraná campaña mayormente. Todo lo que es el río Gualeguay para acá jamás se le ha escuchado nombrar mucho. Incluso sus cultores son de María Grande, Hernandarias, de toda la zona a 50, 60 km de Paraná. Millán Medina nació en 1914 y él hizo la secundaria en una escuela rural llamada "Las Delicias", que aun existe, a 50 km de Paraná. Él, desde muy gurí--si bien nació en Goya--al hacer la escuela secundaria allí es muy probable que se haya impregnado de muchas de esas músicas. Y El rancho 'e la Cambicha es del año 1946. Tiene escrito un tema que se llama El sobrepaso. Y allí explica cómo se baila el tanguito montielero":

Correntinos, entrerrianos,
paisanada a bailar
el tanguito montielero,
rasguidos del litoral
....................................

"Y todavía no estaba inscripto en SADAIC el (género) tanguito montielero, lo que se hizo en el año 1971 o 72. Esto era anterior. Millán Medina no deja mucho que ir a buscar".

Guille Lugrin

Tito: "En épocas en que no había posibilidad de grabación y no se escribía música en determinados lados, no era raro que aparecieran algunos ritmos que alguien aprendía mal y seguía mal porque se enseñaba por transmisión oral. Se enseñaba a los hijos  y los sobrinos y arrancaba".

Antes de cerrar esta primera jornada, Facundo toca dos temas: uno con Mario Fernández y otro con Agustín García, de Colón (Entre Ríos):

Video: El río no es sólo eso

Video: El bailongo

En la segunda jornada los ensambles de músicos entrerrianos y sanduceros continuarán ensayando los temas que tocarán el domingo. Además habrá interpretaciones al aire libre, una caminata musical y charlas acerca de los textos de las canciones.