Nacido en Buenos Aires (Argentina), Goizueta se radicó en 1978 en San José (Costa Rica), donde formó el Grupo Experimental y grabó más de una veintena de discos con canciones testimoniales.
Adrián Goizuetanació en el barrio porteño de San Telmo. En su juventud fue militante del Peronismo de Base (organización política revolucionaria dentro del peronismo). En 1978, cuando gobernaba el país una dictadura cívico-militar, Goizueta se radicó en la capital costarricense, desarrollando una importante carrera artística. Ejerció como profesor y maestro de música en la Universidad Nacional de ese país centroamericano; también destacó como productor de programas culturales en radio y televisión.
Junto al Grupo Experimental(Jaime Gamboa en bajo, Pepe Chacón en congas, Carlos Saavedra en percusiones, Roberto Huertas en flauta, Jorge Rodríguez en oboe, Rafael Chinchilla en piano, Carlos Silesky en viola y Guillermo Carballo en violoncello), Goizueta grabó varios álbumes en que fundió ritmos de folklore, jazz, tango, trova, canción, salsa y rock. Algunos de estos discos son "Adrián Goizueta y el Grupo Experimental"(1980),"Eugenia: para que no caiga la esperanza"(1983),"Si llego a morir"(1984), "Desde la cárcel" (Canciones de detenidos-desaparecidos argentinos, 1976/80) (Grabado en 1985 con relatos de Susana Frevier y Modesto López), "Será futuro"(1987), "Vienen llegando"(1994), "Graffiti"(1995), "Compañera en vivo"(1996) y"Amaramares" (1999).
Uno de los discos fundamentales del artista
De manera solista, Goizueta grabó "Dúos del alma"(2011) con artistas invitados como Jairo,Luis Eduardo Aute, Víctor Heredia, Fidel Gamboay Tania Libertad, entre otros artistas,"Soy. De San Telmo a San José"(2013), "Canciones del Principito"(2016),"Tangoizueta"(2016) y "Te ofrezco mi corazón" (2018). Varios de ellos fueron publicados o reeditados por el sello platense Registros de Cultura.
Goizueta junto a Luis E. Mejía Godoy en Buenos Aires
Adrián Goizueta conoció en su tierra adoptiva a otro exiliado, el trovador nicaragüense Luis Enrique Mejía Godoy. Ambos desarrollaron una duradera amistad que el público pudo apreciar en conciertos conjuntos y eventos históricos como "Abril en Managua", el megaevento cultural desarrollado en 1983 en la Plaza de la Revolución de dicha ciudad. En 2016 presentaron en la ciudad de Buenos Aires el CD "viva VIDA", fruto de varios años de complicidad artística. Queremos recordar a Adrián con su canto vivo y libre, testimonio de su creativa labor trovadoresca:
Al cumplirse 25 años del golpe de Estado en Argentina, Madres de Plaza de Mayo (Línea Fundadora) organizó un emotivo recital con la presencia de grandes artistas iberoamericanos.
"A 25 años del golpe: Madres de Plaza de Mayo"
Pablo Milanés,
Joan Manuel Serrat
Jaime Roos
y Víctor Heredia
Estadio Ferrocarril Oeste
Av. Avellaneda 1240
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Argentina
Viernes 23 de marzo de 2001
Bajo las consignas "Por la memoria, la verdad y la justicia" y "30.000 razones nos convocan", la Asociación Madres de Plaza de Mayo (Línea Fundadora) organizó un festival musical y solidario cuya recaudación se destinó a construir la sede de dicho organismo. La presentación del evento estuvo a cargo de los locutores Liliana Daunes yQuique Pesoa.
Si bien no fue transmitido en vivo, Canal 7 (Televisión Pública) grabó el evento y difundió una selección de canciones de cada uno de los artistas de esa noche. Ese video, aparentemente extraviado en los archivos de la emisora estatal, fue rescatado de una copia en VHS grabada por un coleccionista y subida a internet por ARMUSA, colección y archivo audiovisual que se encarga de rescatar materiales olvidados o descartados por los medios.
Aunque fue quien cerró el festival, la grabación comenzó con el trovador Pablo Milanés(1943-2022), una de las figuras ineludibles de lo que se llamó en los 70 la Nueva Trova Cubana. Se presentó junto a su grupo, integrado por Germán Velasco(saxo soprano), Osmani Sánchez(batería), Edgardo Sánchez(bajo), Eugenio Arango(percusión cubana) y Dagoberto González(violín). Comenzó cantando uno de sus grandes éxitos, Amo esta isla. Seguidamente, Tati Almeida, dirigente de Madres de Plaza de Mayo (L.F.) agradeció a la audiencia, a quienes hicieron posible este evento y a otras agrupaciones de derechos humanos como H.I.J.O.S.
Pablo continuó, con su habitual calidez y sensibilidad, con la canción Cuánto gané, cuánto perdí, grabada en 1983 en el disco "El guerrero". Años, con una renovada introducción instrumental, fue otro de los temas clásicos que el querido cantautor cubano compartió con todos nosotros. La selección televisiva también nos trae una hermosa versión de Yolanda, una de las canciones más celebradas de Pablo, dedicada a quien era su joven esposa en 1970, Yolanda Benet. Finalmente, El breve espacio en que no está, coronando una magnífica presentación del músico oriundo de Bayamo.
Jaime Roos(Montevideo, 1953) es un singular cantautor que aúna en su obra elementos de rock, pop, milonga y candombe. Presentado por Liliana Daunes, Jaime comenzó su presentación con la canción Si me voy antes que vos, perteneciente al disco homónimo de 1996. Del fonograma "Mediocampo" (1984) Jaime rescató el tema Los futuros murguistas, vertido con solidez y sentimiento junto a su grupo de acompañamiento instrumental y vocal.
Gastón Ciarlo (1945-2021), conocido bajo el seudónimo Dino, ha sido un notable guitarrista y cantautor uruguayo. Uno de sus temas emblemáticos, grabado por Alfredo Zitarrosa, Montevideo Blues y Jorge Nasser, entre otros artistas, fue traído a este festival de la mano de Jaime y de Adriana Varela, en interesante y emotiva versión. Se trata de la Milonga de pelo largo, dada a conocer por su autor en los tempranos 70 y que continúa vigente en su inspirada poesía. A continuación, una delegación de Madres entregó al músico uruguayo un pañuelo y una plaqueta como muestra de gratitud. La canción carnavalesca Colombina, plasmada en el disco "Estamos rodeados" (1991) es otra de las joyas de Roos que hemos podido disfrutar en aquella ocasión.
Víctor Heredia(Buenos Aires, 1947) es un cantautor argentino conocido por su compromiso con los derechos humanos. En 1983, año en que Argentina recuperaba su democracia, Víctor grabó un álbum emblemático. La canción que le daba título es Aquellos soldaditos de plomo, que invita a reflexionar sobre nuestro pasado y nuestro futuro. Mara, grabada en 1998, retoma ese espíritu introspectivo, entre las penas y la visión optimista del futuro.
Del disco dedicado al vate chileno Pablo Neruda, grabado en 1974, Víctor ha rescatado el poema "La arena traicionada", del libro "Canto General", transformado en canción bajo el título El pueblo victorioso. Dos décadas después, el artista creó Marcas, que en sus versos finales dice:
Ciertos locos viven de sus mentiras:
creen que a la gente se la puede engañar.
No tienen idea de los sueños y matan
con su hipocresía nuestra credulidad.
Yo ya no los quiero ver más
escupiendo en nuestro dolor.
Ya no tienen nada que dar:
sólo quiero otra realidad.
Las últimas tres canciones son de los 80 y también hablan del dolor y la esperanza de nuestro pueblo. Razón de vivir, con reminiscencias folklóricas, es una hermosa canción de amor. Informe de la situación fue escrita hacia finales de los 70, ante la triste realidad de los "años de plomo". Víctor la cantaba ante un público reducido hasta que la pudo grabar en su LP "Puertas abiertas" (1982), en una época que iniciaba la transición a la democracia.Sobreviviendo(1984) revela otra de las preocupaciones del artista: la carrera armamentista que amenaza el futuro de las nuevas generaciones. La canción fue grabada también por artistas como Illapu, Mercedes Sosa, el grupo La Beriso y León Gieco (a dúo con Víctor).
La grabación en video nos permite recrear algunas de las canciones que interpretó otro de los grandes trovadores de nuestros días: Joan Manuel Serrat(Barcelona, 1943). La primera de ellas ha sido Cantares, sobre versos del poeta sevillano Antonio Machado (1875-1939). Ha sido uno de sus primeros éxitos en castellano, tanto en España como en América Latina. Pueblo blanco, descriptiva obra de la España del pasado, apareció en 1971 en el disco "Mediterráneo". Del poeta republicano Miguel Hernández (1910-1942) no podía faltar su obra más célebre, Para la libertad, musicalizada por Serrat en 1972. El artista de Poble Sec ha manifestado en más de una oportunidad que estos versos del vate oriolano son los que mejor describen su sentir político. El público, en su mayoría joven, permaneció aun ante el gran aguacero que aconteció en la última parte del recital.
El cierre, con todos los artistas, se dio a través de la canción de Víctor Heredia Todavía cantamos, que se convirtió en un "himno" en los primeros años de democracia recuperada. La grabación televisiva, aun imperfecta técnicamente, puede ser revivida gracias a ARMUSA en el siguiente enlace:
En 1970 la artista tucumana daba a conocer un álbum dedicado íntegramente a esta festividad cristiana.
"Navidad con Mercedes Sosa"
Mercedes Sosa
LP: Philips 6347015 (1970)
CD: Philips 2742681 (2010)
Argentina
Mercedes Sosaha sido una figura fundamental en la música latinoamericana. Nacida en 1935 en San Miguel de Tucumán, fue protagonista de grandes hitos artísticos. En 1957 se casó con el cantautor Oscar Matus, radicándose en Mendoza: allí formaron una sociedad creativa junto al poeta Armando Tejada Gómez. Em 1963, junto a otros artistas e intelectuales, dieron a conocer la propuesta titulada "Manifiesto del Nuevo Cancionero" que "acoge en sus principios a todos los artistas identificados con sus anhelos de valorar, profundizar, crear y desarrollar el arte popular, y en ese sentido buscará la comunicación, el diálogo y el intercambio con todos los artistas y movimientos similares del resto de América".
Habiendo publicado dos discos, "La voz de la zafra" (1962) y "Canciones con fundamento"(1965), Mercedes se consagró en Cosquín '65 tras la generosa presentación del cantor Jorge Cafrune. Lo hizo interpretando la Canción del derrumbe indioacompañándose con su cajita coplera: este éxito la consagró definitivamente, firmando contrato con el sello discográfico Philips. En 1967 realizó giras por Estados Unidos y Europa y en los años siguientes por diferentes países del continente americano.
"Navidad con Mercedes Sosa"quizá sea uno de sus álbumes menos difundidos. Lo grabó en 1970 con acompañamiento de orquesta dirigida por Oscar Cardozo Ocampoy la guitarra de Ángel "Kelo" Palacios. La selección incluye doce temas en los que la artista tucumana retrata con especial sensibilidad el mundo de los más pequeños y su visión sobre la justicia social. El disco comienza con la canción de Ariel Ramírez y Félix Luna Navidad en verano, contrastando con las idílicas postales nevadas del hemisferio norte. El poeta Hamlet Lima Quintana (1923 - 2002) ha realizado un gran aporte al Nuevo Cancionero. De sus más de 400 canciones, Mercedes eligió para este disco La cruz del niño, poema musicalizado por Oscar Alem con un importante mensaje que interpela los sentimientos del oyente.
Daniel Viglietti (1939-2017) ha sido uno de los cantautores uruguayos más importantes. De su vasto repertorio podemos disfrutar de Negrita Martinaen la inmortal voz de la Negra Sosa, con su especial carisma y emocionalidad. La pluma del escritor y filósofo español Miguel de Unamuno (1864-1936) aportó La media luna, con música del argentino Sergio Aschero:
La media luna es una cuna
¿quién la brisa?
y el niño de la media luna
¿qué sueños riza?
La media luna es la cuna
¿quién la mece?
y el niño de la media luna
¿para quién crece?
La media luna es una cuna,
luna nueva,
y al niño de la media luna
¿quién me lo lleva?
Los delicados arreglos de Cardozo Ocampo se funden con la voz de Mercedes para brindar un mensaje de honda sensibilidad y belleza en cada una de las canciones.
La poeta Irma Calot, nacida en Trelew, y el compositor cordobés Héctor Pérez, creadores del "Canto a Santa Cruz", aportaron para este disco la canción1970 navidades, que desgrana en versos y música una triste realidad. El canto de Mercedes resuena como voz de alerta y reflexión en un mundo de grandes contrastes.Ay, para Navidades un bailecito creado por Sergio Villar (1914-1956), que refleja en esta versión la veta más folklórica de la intérprete.
En Navidad 2000Antonio Nella Castro e Hilda Herrera imaginaron, treinta años antes, una Navidad en los albores del siglo XXI con paz y justicia. En 1973 la Negra volvió a grabar esta canción junto al grupo Los Arroyeños. Canción de cuna de la torcaza, de Luis Víctor "Pato" Gentilini (n. 1931) y Luis Leopoldo Franco (1898-1988) es una hermosa obra poética con sello catamarqueño.
Los salteños Manuel José Castilla y Gustavo "Cuchi" Leguizamón se inspiraron en el personaje infantil creado por el artista plástico Antonio Berni para plasmar La Navidad de Juanito Laguna:
Juanito de la inocencia
canta en dormido Laguna,
así por dentro del sueño
pasa llorando la luna.
Este personaje, arquetípico de los sueños plasmados en el Nuevo Cancionero, ha sido protagonista de muchas canciones y de dos discos creados por el cantautor César Isella: "Juanito Laguna" (1976) junto a Ana D'Anna y Cantoral, y "Berni - Juanito Laguna" (2005) compartido con varios intérpretes.
El espíritu reflexivo continúa conNavidad y después, compuesta por Roberto Margarido y Raúl Mercado. El recordado cantautor sanducero Aníbal Sampayo (1926-2007) aportó su Canción de cuna navideña, que había sido grabada en 1965 por el dúo Los Olimareños. Cierra el disco Diciembre, diciembre,de Leonardo Castillo y Ángel Ritro. Los finos toques de las cuerdas de la guitarra comienzan secundando la voz de Mercedes. Posteriormente se suman cuerdas y percusión en suaves acordes.
Diciembre, diciembre
¿qué han hecho del niño,
del niño que hablaba de darnos el trigo?
Diciembre, diciembre
tu lluvia de harina
la fueron cambiando coronas de espinas.
Más de medio siglo después de grabado, este álbum nos sigue interpelando acerca de las realidades y las niñeces. Ojalá este aporte de Mercedes Sosa nos permita adentrarnos en el verdadero espíritu navideño de paz, esperanza y solidaridad.
Esteban Godoy, cantante nacido en Goya, y Gaspar Macor, guitarrista santafesino, nos brindan un hermoso álbum con repertorio litoraleño.
"Chamamé"
Gaspar Macor y Esteban Godoy
Sello: Sonamos Latinoamérica
Santa Fe, Argentina
2025
Gaspar Macores docente y concertista, licenciado en Música con orientación en Guitarra. Nacido en Laguna Paiva, provincia de Santa Fe, ha formado parte de "Trío Cosa", "Dúo Cernotto Macor" (junto a Danilo Cernotto), "Dúo Mbojeré" (con Oscar "Frodo" Peralta), "Dúo Ávila Macor" (con Ezequiel Ávila) y "Danilo Cernotto Quinteto". Ha grabado discos con todas esas formaciones así como en sendos dúos con Oscar "Poli" Gomítolo y con Abel Tesoriere. Su sólida formación le ha permitido abrevar en repertorios de tango, milonga y ritmos de raíces folklóricas con natural solvencia.
Esteban Godoy es cantante, nacido en la ciudad correntina de Goya. Ha realizado grabaciones y compartido escenarios con Abel Tesoriere, "Esteban Godoy Trío", "Raigambre Trío" (junto a Piri Aráoz y Daniel Franich), Matías Galarza, Diego Alberto, "Kate' Trío" (con Roberto Americe y Miguel Pereiro), y Milagros Caliva, entre otros artistas. El flamante disco que une a ambos artistas se titula sencillamente "Chamamé"e incluye composiciones variadas del amplio repertorio de la región litoraleña argentina.
Camino del correntino, del compositor correntino Mateo Villalba (n. 1948) abre esta interesante obra. El segundo autor abordado por el dúo es Oscar Valles (Oscar Arturo Mazzanti, 1924 - 2003), recordado integrante del grupo "Los Cantores de Quilla Huasi". Su obra Chacovibra al son de la guitarra y el canto con sencillez y profundidad a la vez.
Arnaldo "Andy" Balestra (Curuzú Cuatiá, 1963) y su coterráneo José María Fernández (1940 - 2002) aportaron al repertorio chamamecero obras como Sarandí de los recuerdos, recreada impecablemente por Gaspar y Esteban. Rudi Floresse suma a acompañarlos en el tema El boyero, firmado por dos leyendas de la música correntina: Mario del Tránsito Cocomarola (1918 - 1974) y Eustaquio Vera (1928 - 1989).
Esteban Godoy también muestra su faceta de compositor en el chamamé Me quiero quedar, compartido autoralmente con Jorge Mazaet. Se trata de un fundamental aporte al repertorio musical del litoral. Los descriptivos y poéticos versos, disgregados pasionalmente en canto y guitarra, plasman una interesante mirada artística. Similar rigor musical es el que podemos apreciar en Tropero de Imaguaré, de Antonio Tarragó Ros y Héctor Chávez. La expresión "imaguaré", proveniente del vocablo guaraní ymaguare significa "antiguo", "de tiempos remotos", evocando una tradición bien arraigada en nuestra cultura.
Carlos Gualberto Meza (1909-1981) ha sido un importante poeta y letrista correntino. Junto al músico paraguayo Diógenes Armoa Cáceres (1928 - 1993) dio vida al chamamé Basilio Magos, interpretado con profundo sentimiento por Gaspar y Esteban. Carlos José Pino (Chaco, 1940) es un guitarrista, autor y compositor argentino muy recordado por su participación en el grupo "Los Trovadores del Norte" entre las décadas de 1960 y 1980. Rafael Ielpi (Esquel, Chubut, 1939 - Rosario, 2024) ha sido poeta, periodista y gestor cultural. Una de sus obras más conocidas es la cantata "La Forestal", con música de Jorge Cánepa y José Luis Bollea, llevada al disco en 1984 por el cantautor rosarino Enrique Llopis. De Ielpi y Pino podemos disfrutar, como cierre de un hermoso álbum, su chamamé Santa Fe al norte, que nos permite imaginar a través del canto aquella época "de tierras forestales" "donde duerme la historia sepultada".
El popular artista venezolano, asociado en Argentina a las actividades del Festival Sonamos Latinoamérica, presentó una obra precursora como método de aprendizaje.
Néstor Viloria:
Presentación de su libro y concierto didáctico
"La guitarra en los ritmos de la música venezolana"
Universidad Nacional de las Artes
Sánchez de Loria 443,
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Argentina
Martes 18 de noviembre de 2025
Como parte de una pequeña gira por Argentina, Néstor Viloria presentó su nuevo trabajo en las ciudades de Buenos Aires y Esperanza (Santa Fe). Estuvimos en el primer evento para compartir con nuestros lectores toda la información de este importante libro musical. La presentación estuvo a cargo del docente Esteban Bezazette.
Esteban Bezazette
Esteban:"Bienvenidos a esta hermosa actividad. Hoy recibimos a Néstor Viloria, gran guitarrista y amigo. Soy Essteban Bezazette, docente y guitarrista de la casa. Por medio de la cátedra del maestro [Ariel] Carlino hemos articulado para poder llevar adelante esta actividad, sabiendo que estábamos en los últimos días de cursada y era una fecha compleja. Recién llega de Venezuela, y no queríamos dejar pasar esta oportunidad. Que nos cuente el gran trabajo de investigación que está haciendo sobre la guitarra en la música de Venezuela. Es un primer antecedente , un primer libro que hay de música para guitarra en ese país. Hemos charlado mucho con Néstor sobre, por ejemplo, conjunto de guitarra, que el cuatro se empezó a escribir también, porque hace muy poco que se empezó a escribir sobre la música de las orquestaciones de los grupos musicales. Esto siempre fue de tradición oral . De eso vamos a charlar un poco".
Néstor: "Vamos a ir haciendo una historia dentro de los géneros musicales, tal como está planteado en el libro y, simultáneamente, haré una música para tener una relación directa, básicamente un concierto didáctico y la presentación del libro. He preparado una clase pero con mucha música".
(Aplausos)
"Bueno, muchísimas gracias a mi amigo Esteban Bezezette, un profesor de tango, al maestro Carlino por acompañar aquí, desde la Cátedra de Tango, del Departamento de Folklore. También quiero agradecer a mis amigos, compañeros: Eduardo Parra, que va a estar tocando el cuatro, a mi hija Marina Viloria, que va a estar tocando las maracas, a mi hijo Bernardo Viloria, que va a estar tocando el arpa, y al gran amigo Luis Zárraga, quien nos va a acompañar cantando. Ellos son parte de un conjunto de música venezolana".
"Lo que nos ocupa hoy es este material: este libro se titula La guitarra en los ritmos de la música venezolana. Este libro es producto de muchísimos años de vida como guitarrista de la música venezolana, discos, grabaciones, estudios en la vida de la guitarra clásica, que es lo que yo estudié en la Universidad, formación como cuatrista en mi infancia y en mi adolescencia dentro del ámbito familiar. Me gradué en 1999, hace 26 años. Este libro también es producto de materiales que no existían, que no estaban expuestos. Yo tuve, en el año 95, la oportunidad de participar en uno de los grandes festivales de guitarra clásica en Europa, en Grecia: lasOlimpiadas de Guitarra en Volos. Llegué a ese festival como venezolano para tocar música en la guitarra clásica: música renacentista, Bach, barroco, Villa-Lobos, todo del repertorio clásico. Y resultó que cuando yo llegué a ese festival, me encontré con un grupo de venezolanos que vivían en Austria que iban a presentar un concierto de música venezolana. Yo tocaba cuatro de niño en mi casa. Estando allá me percaté que yo (que tenía unos 23 años) no sabía tocar música venezolana. Me encontré con esa sorpresa. Yo me había graduado de guitarrista clásico pero no sabía tocar un merengue, un vals, no sabía cómo acompañar un polo margariteño, porque en la escuela de guitarra clásica en Venezuela no se contempla enseñar eso. Y nuestra gran escuela de guitarra en Venezuela es la guitarra clásica con los super referentes Alirio Díaz, Antonio Lauro y Rodrigo Riera. Había dos maneras de formarse como guitarrista en Venezuela: como guitarra solista y armar grupos de guitarra popular o hacer música dentro de la guitarra popular como estudiantinas.
"Había orquestas típicas, como la de Luis Felipe Ramón y Rivera, esposo de Isabel Aretz, quien en los años 40 y principios de los 50 impulsó este tipo de orquestas. El hecho es que yo me encontré como adulto de 24, 25 años que no sabía tocar. Entonces llegué, en ese viaje, a un lugar donde yo consideraba que podía llegar a aprender a tocar música venezolana. Esos lugares eran las estudiantinas, fundamentalmente, que estaban en los liceos, las escuelas. Se tocan valses, merengues, joropos, danzas. Así que yo llegué y me incorporé a una estudiantina que funcionaba en la Facultad de Farmacia de la UCV, la Universidad Central de Venezuela. Allí aprendí los primeros ritmos. En la guitarra se tocan tradicionalmente los arpegios de la mano derecha. En mi investigación yo he tomado otros términos para denominarlos. Entonces, empecé a reunir toda esa información y al año y medio, cuando yo ya tenía mis habilidades técnicas desarrolladas en la guitarra, me reuní con un grupo de amigos (uno de ellos es Orlando Cardozo, gran compositor de música venezolana que tenía bastante formación en música venezolana porque venía de estudiar mandolina, era cuatrista. Se había formado en una escuela llamada Fundación Bigott, que formaba músicos de la tradición). Así que yo hablé con él y con una violoncelista para formar mi primer grupo de música venezolana. Eso fue en el año 1997. Con ese grupo aprendí a tocar todas estas músicas que, de alguna manera, están incorporadas en esta investigación. A partir de entonces fundé la Cátedra en una Universidad "hermana" de la UCV, la Universidad Nacional Experimental de las Artes en Venezuela. Hice lo que la mayoría de los profesores hacemos para enseñar la música venezolana. Elaboraba mis propios materiales de enseñanza y esos materiales los compartía con estudiantes pero eso implicaba una renovación permanente. Llegaron las vacaciones, volví a hacer la guía, armé repertorio y así trabajé durante muchos años. Pero con el tiempo fui reuniendo una cantidad de recursos y ya estaba pasando algo: en un momento me di cuenta que esa guitarra que yo tocaba tenía técnicas propias, usaba recursos que no estaban en la enseñanza de la guitarra clásica. Tenía una manera auténtica de hacer la música para que sonara dentro de la agrupación de música venezolana. Me decidí, hace unos diez años, a organizar esto de una manera más formal".
"En mi paso por Argentina (viví aquí entre 2019 y 2024) me llamó mucho la atención que había tríos de guitarra en todas partes. En cada ciudad a la que uno va uno encuentra diferentes tipos de guitarristas. Hubo un libro que publiqué con el apoyo del Fondo Nacional de las Artes (creo que no está funcionando en este momento) acerca de la música que se toca en Jujuy, en Santiago... Eso me impulsó a realizar esta material que yo voy a organizar: cómo se tocan las músicas venezolanas en la guitarra. El desafío era: cómo lo puedo organizar, cómo puedo armar un libro que pueda contener toda esta información. Porque se trataba de las estructuras de la mano derecha para tocar estos ritmos. Así que yo decidí, dentro de la metodología que fui creando para poder llegar a este libro, cuando voy a identificar los grupos de los que hay coincidencia, o grupos más fuertes, no de toda la música venezolana pero sí de una buena parte de la música que se toca en las estudiantinas y en algunas agrupaciones como las Orquestas Alma Llanera, que forman parte del Sistema de Orquestas de Venezuela. En esas orquestas hay cuatros, guitarras, mandolinas, arpas, maracas y bandolas. Entonces, voy a organizarlo en cuatro grupos primarios: el valse venezolano, el merengue venezolano, la gaita y furro y otras danzas en 6/8. Y el cuarto gran grupo son los joropos llaneros. En todos estos grupos rítmicos hay un elemento coincidente, que es el cuatro venezolano. El cuatro venezolano está presente en casi todos los géneros musicales. En estos y en muchos otros que no están ahí. Pero en estos está presente y el cuatro tiene patrones rítmicos establecidos, que se escriben de esta manera. El valse venezolano lo escribimos en 3/4: es ese el patrón básico que usamos para acompañar y en la tradición lo escribimos así, y suena de esta manera (toca): tatatú, tatatú, tatatú, tatatú, tatatú, ta... Este es el patrón básico del cuatro venezolano en el valse. Está presente un silencio o un acento que nosotros llamamos "trancao"(toca). Aquí se conoce como chasquido, nombre que yo adopté para la guitarra porque en Venezuela no teníamos un término para nombrar ese efecto que se produce en la guitarra. Y es una incorporación que yo hago en la enseñanza de la guitarra popular en Venezuela. Agregué el nombre chasquido como una manera de escribirlo. Charrasqueo sería como todo el acto de tocar. En este caso estamos hablando de golpes abiertos y golpes cerrados, o golpes graves y golpes agudos. O sea, dos golpes que por el patrón rítmico definen el carácter de la especie musical. ¿Qué fue lo que yo hice y que apliqué en el método? Mi gran pregunta era "¿cómo hago yo para armar un libro, un método sin que sea colocar solamente la información?". Sí, yo puedo tocar y puedes dejarlo allí anotado, y cuando lo tú lo ves escrito al día siguiente no te dice nada. Yo me percaté entonces de todo lo que yo tocaba en la guitarra estaba enlazado en ese patrón rítmico que hacía el cuatro".
"Lo que tocamos los guitarristas venezolanos está de alguna manera calzado, sincronizado o basado en el patrón rítmico del cuatro. Entonces, además me di cuenta que no solamente tocábamos notas pulsadas en la guitarra, sino que en la música venezolana uno puede utilizar pizzicatos (toca) y este tipo de cosas. Utilizas el chasquido que se incorporó o una forma de imitar el chasquido del cuatro venezolano. Entonces yo, en lugar de llamarlo arpegio, como tradicionalmente se llamó en la guitarra venezolana, lo llamé Formulas de Acompañamiento (FDA). Entonces, las FDA que yo utilizo--hay excepciones--lo que hacen es hacer un patrón que genera un pequeño acento donde está el trancao. Cuando yo toco en la guitarra tararí, tararí, tararí me genera este acento. El libro está armado así: Capítulo 1. El valse venezolano. Origen y evolución. Es un texto que describe, que contextualiza a quien va a estudiar el libro, sobre el origen de la especie. Está pensado para que lo puedan utilizar los venezolanos (muchos todavía no sabemos el origen de nuestra música) y para quienes no lo son y quisieran tener una aproximación a todo esto, y poder abrir un espacio de investigación. Después la forma que tiene la especie musical y aparecen algunas de las fórmulas, sobre todo en los textos introductorios de cada capítulo. Luego vienen diez valses venezolanos: aquí estamos hablando de valses, pero pueden ser gaitas o joropos. Y hay temas que son fundamentales. Porque si soy chino y quiero estudiar la música venezolana puedo escuchar algo que me acerque a ese género. Hay una recomendación de diez piezas".
Néstor Viloria
"Luego, las fuentes que yo consulté para poder hacer estos texto, de manera que si alguien quiere profundizar en alguna de estas temáticas, aquí están las fuentes que se pueden consultar. Luego el libro viene así: la página izquierda tiene la fórmula de acompañamiento que la sincroniza con el patrón del cuatro en la base rítmica del género, la fórmula de acompañamiento en tablatura y una descripción técnica de lo que se va a hacer. Después viene un ejercicio para tocar una lección con esa fórmula de acompañamiento y poder entrenar lo que yo voy a tocar. Por ejemplo, esta que está aquí planteada es la primera fórmula de acompañamiento que yo planteo (ver video 1)
Video 1: Fórmulas de acompañamiento
"Hay una cosa muy importante y es que dentro de ese grupo de fórmulas de acompañamiento que están aquí, sin que lo esperara de esa manera, me encontré que en la música de Lauro están presentes. En realidad los maestros manejaban esto porque eran músicos populares también. Sólo que ese instala la escuela o la formación académica y pareciera que dejamos de lado una cantidad de elementos que son prácticas culturales, son partes de las texturas que se utilizan en la composición y en la música popular. Yo tomé de esa primera fórmula, que es esta (toca) y compuse esto, que forma parte de una serie de estudios de música venezolana para guitarra" (Video 2)
Video 2: La casa de Mary (valse venezolano)
"Esto también es un recurso para la composición de la música venezolana. Vamos a hacer ahora, con la agrupación, un valse venezolano muy popular, una versión para tocarla en este formato pero que en el libro está--además de todos los ejercicios que aparecen--con arreglos para dúo de guitarras. Es la versión de un valse que tiene más de cien años, El diablo suelto:
Video 3: El diablo suelto
Néstor Viloria y grupo
"Gracias a estos músicos. Ellos son por naturaleza gente que conoce, que está muy conectado con la música que hacemos, por la práctica cultural. Así que, muchísimas gracias. Y el maestro Bernardo, que está recientemente graduado de Profesor de Música en la UNL (Universidad Nacional del Litoral). Luego viene el merengue venezolano, el famoso 5/8. Yo tengo mi canal de YouTube. Hace unos 5 o 6 años comencé a publicar algo de material en este canal. Hay gente que me escribe y me dice que el merengue venezolano se escribe en 2/4. Y hay grandes músicos, como el fallecido Ademaro Romero que decía "el merengue venezolano se escribe en 5/8 y 2/4". Él lo escribía y lo tocaba en 6/8. El merengue venezolano es este ritmo que se conoce mucho."
Video 4: Merengue venezolano
"Aquí también yo puedo hacer el chasquido. Pulgar, medio, índice, pulgar, el chasquido, cuatro nota, angular, medio, índice y pulgar. Esto puedo tocarlo y puedo hacer el trabajo que haría el cuatro (toca). Piensen que son principios que se repiten. El libro tiene para cada fórmula un ejercicio. Es decir, implica un rato de estudio, un rato de trabajo porque tienes que practicarlo, etc. pero si uno toca el libro de arriba abajo, un guitarrista formado va a tardar un año haciéndolo porque viene del trabajo. Pero al final va a tocar música venezolana. Le va a sonar el merengue, le va a sonar el joropo. Entonces (toca). El libro tiene todos estos ritmos y yo he venido trabajando en una serie de estudios de música venezolana para la guitarra. No lo he hecho con la pretensión de que sea música de concierto, lo importante es que la música tenga sentido pleno. Esta música se llama Fantasía para una quimera. Yo pasé muchas de estas piezas de la tradición. No sé si conocen El norte es una quimera, es muy popular en voces como la de Cecilia [Todd] en alguno de sus discos. Esta se puede tocar con guitarra sola pero tiene una primera guitarra y una segunda guitarra.
Video 5: Fantasía sobre una quimera
"Queremos saludar al profesor Ricardo Cuyul, Secretario Académico de la casa, quien permitió la realización de esta presentación. Valoro enormemente la posibilidad de estar aquí. Yo soy profesor jubilado de la Universidad Nacional de las Artes de Venezuela; por muchos años trabajé en espacios como este, que siempre dan un aporte muy importante a nuestros países, a la sociedad, que permiten que se desarrollen investigaciones".
"Aunque en este momento yo estoy jubilado de la Universidad de las Artes, hago vida en Venezuela y sería fabuloso que esta visita pudiese transformarse en un intercambio permanente. Nos gustaría hacer unos talleres de Tango para profesores de guitarra: lo dejo como una temática para conversar. Yo podría contribuir para que ese intercambio se hiciera real. Vamos a seguir. Vamos a tocar un merengue para arpa y guitarra. Se llama Un merengue para Los Cholos".
Video 6: Un merengue para Los Cholos
Néstor y Bernardo Viloria
"Este merengue se llama Un merengue para Los Cholos, dedicado a los hermanos de una agrupación peruana que se llama Los Cholos. Se lo dedicamos hace tiempo y ha sido grabado por nuestro dúo, Guitarpa Dúo, formado por mi hijo Bernardo y yo. Ahora vamos a hacer un aguinaldo muy conocido de un gran compositor venezolano, Simón Díaz, El becerrito.
Video 7: El becerrito
Néstor Viloria y grupo
"Hay otro grupo de música, que son en 6/8 en Venezuela. Vamos a encontrar uno que en su región lo llaman La reina del folklore, es la Gaita de Furro: es una música muy alegre que se hace en conjuntos grandes, de gala. Vamos a tocar dos piezas. Escribo para que sepamos exactamente de qué estamos hablando. En el cuatro hace esto. Es una de las variantes. Pero tiene estos acentos. Se acompañan de esta manera; esto se utiliza para la danza, para la gaita también. Tiene esta acentuación aquí y aquí. Anular, índice, medio y pulgar. Aquí hay cuatro variantes: (toca). Vamos a tocar dos obras. Esto es un homenaje a un o de los grandes compositores de música zuliana: a Rafael Rincón González. Se llama Fantasía de los pregones.
Video 8: Fantasía de los pregones
"Ahora vamos a hacer...hoy, un día 18 de noviembre es el día de la Virgen del Rosario de Chiquinquirá, que es como se llama a la Virgen de la Chinita. Es a quien se le canta. Su origen, la gaita. La gaita es un género que en la actualidad, en Venezuela, se toca en todas partes. Tiene el carácter festivo de la Navidad. Son unas grandes fiestas. Esa música nace como una devoción a la Virgen. Es increíble lo que ocurre allí, en Zulia. Porque no es un asunto meramente católico apostólico romano. Ahí está el realismo mágico. Es algo que está vinculado con la fe católica, con un fervor en la calle...En Maracaibo se realiza la bajada de la Virgen, allí en la Basílica y es impresionante la energía que se mueve allí. Es la Virgen del Rosario, se va rezando, se reza, se canta una gaita. Y cuando llega la gaita y se deja a la Chinita se baila. No es una fe católica "pura", es algo en la calle, la gente bebe también. Vamos a hacer la primera gaita que se grabó como tal, en los años 40 por una agrupación que se llamó Los gaiteros de Zulia. Se llama Virgen de Chiquinquirá."
Video 9: Virgen de Chiquinquirá
Néstor Viloria y grupo
"Nos queda poco tiempo y queremos hacer dos piezas que están dentro del joropo llanero. El joropo llanero es todo un universo también. Tiene varios grupos rítmicos, entre ellos dos grandes grupos rítmicos: están los joropos de 3/4 que se tocan de esta manera...Se parecen mucho al valse venezolano, pero tienen ornamentos específicos del joropo. Yo en la guitarra puedo tocar.. (toca). En el joropo llanero está la bandola llanera, y con la guitarra se puede imitar a la bandola llanera. No tiene el peso de la bandola, que se toca con plectro y con una técnica que de la muñeca va golpeando , pero puede cantar en el estilo de la bandola llanera la guitarra. Hay un tema muy conocido aquí, que lo comienza una bandola, que es el Pajarillo verde. Yo puedo tocar esta pieza al estilo de la bandola llanera, que sería esto:
Video 10: Joropos
Néstor Viloria
"Vamos a tocar entonces con estos compañeros que están aquí dos temitas, y con eso terminamos. Primero vamos a hacer un joropo en dúo de guitarra y arpa, una quirpa llanera en 3/4"
Video 11: La quirpa
Néstor y Bernardo Viloria
"Muchas gracias, hermanos, colegas, profesores, Esteban Bezezette, por haberme abierto el camino para que pudiéramos compartir con ustedes esta tarde, la aceptación del libro y el conocimiento de todas estas actividades que deseamos sean un "ida y vuelta". Vamos a empezar a hacer un intercambio formal. Muchas gracias, maestro Carlino, por acompañarnos".
Ariel Carlino:"Un honor. Es un enorme aporte para la Universidad y para Sudamérica, esta Patria Grande que nosotros soñamos".
Néstor: "Quiero agradecer también a mi esposa, Beatriz López, quien siempre me acompaña en todo (Aplausos). Hay muchos cuatristas aquí en Buenos Aires, he tenido el gusto de trabajar con algunos de ellos. Aquí hay algunos alumnos míos. Aquí tenemos a Julio Leal, gaitero también, de origen venezolano, viviendo hace ya 10 años aquí. También está Ana María, que fue estudiante mía, está Marina Vargas, una gran cantante argentina quien también toca el cuatro".
"Nos despedimos entonces con un clásico de la música llanera venezolana, un pasaje de Simón Díaz que no necesita presentación, y el título del tema se lo dejamos para que lo cante Luis".
Néstor: "Bueno, nos vamos a despedir con Diamantes guitarreros. Los diamantes son otra forma de joropo. En este caso con una pieza atribuida a Ignacio "El Indio" Figueredo, el primer artista del llano. Nació en el estado Apure de Venezuela, siendo el primero que grabó arpa, cuando era un hombre de unos 40 y pico de años. Tocó muchísimo repertorio de fiestas. Era un gran virtuoso. No sólo grabó discos, también se lo puede ver. Hay documentales sobre él".
Fue uno de los fundadores del Movimiento Surrealista en Lisboa. En 1969 tradujo ocho de las doce canciones que integran el álbum "Joan Manuel Serrat e as suas canções".
Alexandre Manuel Vahia de Castro O'Neill(Lisboa, 1924 - 1986) es uno de los más importantes poetas en lengua portuguesa. A sus diecisiete años publicó sus primeros versos en un periódico de la ciudad de Amarante. "Comencé a leer a los quince años. Leía a Julio Verne, aquellos libros que leían todos los jóvenes. Y escribía versos"[1].En 1942 comenzó a participar del Grupo dos Jantares dos dias 13(Grupo de las Cenas de los días 13) junto a Adolfo Casais Monteiro, João Gaspar Simões y António Dacosta, entre otros intelectuales. Seis años después aparece publicado su primer libro, A ampola miraculosa. El lustro comprendido entre 1945 y 1950 forma parte de los años de la "aventura surrealista": conoció al poeta Mário Cesarini de Vasconcelos, a quien lo unió una amistad y una complicidad intelectual y colaboró con cuatro poemas en la revista Litoral.
En 1957 O'Neill se casó con Noémia Delgado; al año siguiente publicó No Reino de Dinamarca, y en 1959 nació su primer hijo, Alexandre Delgado O'Neill. Mientras tanto, en la vecina España nacía el movimiento de la Nova Cançó(Nueva canción catalana), reivindicando uno de los idiomas regionales prohibido por el franquismo. Uno de sus cultores ha sidoJoan Manuel Serrat, quien entre 1967 y 1969 publicó tres discos en esa lengua y dos en castellano. Este último año, sus productores le propusieron grabar un disco para el mercado portugués y fue Alexandre O'Neill quien se encargó de verter a la lengua lusitana las canciones Manuel, Mis gaviotas (Minhas gaivotas), Poco antes que den las diez (Pouco antes que batam as dez), El drapaire (O ferro-velho), Com ho fa el vent (Como faz o vento), De mica en mica (Pouco a pouco), El titiritero (O saltimbanco) y Saps (Sabes). Lamentablemente el disco no volvió a publicarse en ningún formato físico ni digital, pero en el portal YouTube se puede apreciar este hermoso trabajo de Serrat.
Disco "Joan Manuel Serrat...e as suas canções"
(Portugal, 1969)
Seudo video: "Joan Manuel Serrat..e as suas canções"
Joan Manuel Serrat
El propio O'Neill grabó tres discos entre 1969 y 1972 aunque no con canciones, sino con el relato de sus propias obras: "Alexandre O'Neill diz poemas de sua autoria",del que no se tienen detalles, "Os bichos também são gente" (1969), con 14 poemas, y "Entre a cortina e a vidraça" (1972), un disco de 45 RPM con cuatro poemas. En esta nueva década comenzó a colaborar con la RTP (Radio y Televisión de Portugal) y publicó en prosa As andorinhas não têm restaurante. También colaboró con la gran artista Amália Rodrigues, componiendo la letra del fado Gaivota. En 1971 se divorció de Noémia Delgado y se casó con Teresa Patrício Gouvea. Desde el segundo lustro de los 70 O'Neill comenzó a tener problemas de salud: en 1976 sufrió un ataque cardiaco. En 1983 apareció su último libro original, Dezanove poemas, que forma parte de "Poesías completas". En 1984 sufrió un accidente cerebro vascular, falleciendo dos años después, a los 61 años.
En 2024, al cumplirse el centenario de su nacimiento, la editorial Fondo de Cultura Económica publicó una antología bilingüe (portugués - español) titulada Acordeón, "que recupera poemas visuales y textos dispersos, además del núcleo de su producción".
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