domingo, 24 de junio de 2012

Wayrapampa: nuevos sonidos para el folklore


Recital del grupo Wayrapampa
Cangrejos Estudio – Bar
Calle Ciudad de La Paz 123
Buenos Aires
Sábado 23 de junio de 2012



El grupo Wayrapampa viene trabajando duro desde hace más de un año en la concreción de un repertorio de raíz folklórica. Si bien hay un gran respeto por el formato tradicional de las obras interpretadas, es en los inspirados arreglos donde zambas, chacareras y otros ritmos nacionales cobran nueva dimensión.  Los cantantes Laura Fajardo y Maximilano Romero Marc aportan sentimiento y frescura en títulos tan conocidos como la Zamba de Lozano (Gustavo Leguizamón y Manuel José Castilla) o la chacarera Déjame que me vaya (Roberto Ternán – Carlos Carabajal). Por otra parte, una obra original del grupo, El reencuentro, con letra de Rubén Mirés, Adriana Fernández y Martín Pereira y música de Mirés, aporta un nuevo enfoque que reafirma el compromiso del conjunto en la búsqueda de nuevos caminos para el repertorio folklórico.

Maxi Romero Marc y Lala Fajardo


Rubén Mirés (dirección, guitarra criolla) y Javier Moreira (charango), conocidos como dúo en importantes presentaciones, destacan también en sus respectivos instrumentos de cuerda, compartiendo méritos con Ana Mirés (guitarra eléctrica y violín). Siguen las chacareras con Desde el puente carretero (Carlos y Peteco Carabajal) y Chacarera de las piedras (Atahualpa Yupanqui y Pablo del Cerro).
Javier Moreira y Rubén Mirés


Uno de los instrumentos que aporta un especial color al repertorio y los extraordinarios arreglos de Wayrapampa es la armónica, instrumento que da lucimiento a Martín Pereira. Llega el momento de las zambas a través de dos obras muy interesantes: Zamba para olvidarte (Julio Fontana y Daniel Toro) y Zamba del carnaval del “Cuchi” Leguizamón. Por otra parte, el gato El 180, que ha conocido estupendas versiones, es otro ejemplo de la excelencia del grupo en interpretación y arreglos.
Martín Pereira y Ana Mirés

Candela Vey , casi escondida al fondo del escenario, aporta solidez en las percusiones. Un tema de Fito Páez, Detrás del Muro de los Lamentos, aparece resignificado como chacarera, un acierto más de Wayrapampa, conjunto que comienza a mixturar tradición con expresiones contemporáneas. El olvidao , chacarera del Duende Garnica y la Chacarera de un triste, de los Hermanos Simón, aportan todo el ritmo para bailar, aunque parece primar la timidez entre el público asistente.

Candela Vey

Hacia el final, algunas sorpresas: el carnavalito Mamá Coya, de Máximo Gregorio Puma, muy conocido en la voz de Tomás Lipán, y dos obras del repertorio latinoamericano: El surco, de Chabuca Granda, que incorpora percusión afroperuana, y la cumbia El alegre pescador, del colombiano José Barros.

Al término del recital podemos adquirir un primer material discográfico de Wayrapampa, con seis temas que comienzan a tener merecida difusión para conquistar nuevos públicos en nuestro país y con certeza nuevos horizontes en el continente americano.

Contacto:
Facebook.com/Wayrapampa


sábado, 23 de junio de 2012

Ha fallecido el músico chileno Nelson Schwenke

Nelson Schwenke (izq.) y Marcelo Nilo
Foto: Dúo Schwenke & Nilo - Página oficial Facebook

Integrante, junto a Marcelo Nilo, del dúo Schwenke & Nilo, Nelson ha sido uno de los cantautores más interesantes del movimiento “Canto Nuevo”.


Los futuros integrantes del dúo se conocieron en la Universidad Austral de Valdivia, ciudad situada 841 km al sur de Santiago. Marcelo Nilo era alumno de música y Nelson Swenke de antropología. Coincidieron en un Taller de Investigación sobre Música Chilena. Nelson tenía algunas composiciones propias que tomaron forma definitiva gracias a los arreglos musicales de Marcelo.
El nacimiento del dúo artístico coincide con la aparición del “Canto Nuevo”, movimiento promovido por Ricardo García, propietario del sello discográfico Alerce, que de alguna manera es una continuación de la “Nueva Canción Chilena” que tanto enriqueció la música de este país hasta 1973. Claro que en plena dictadura musical las formas debían ser más cuidadas para no tener problemas. De todas maneras, hubo en el movimiento un fuerte contenido social. Schwenke & Nilo comenzó tocando en peñas y festivales universitarios. En 1980, el dúo participa, en Santiago, del Segundo Festival de la Asociación Cultural Universitaria (ACU) y toma contacto con otras agrupaciones del Canto Nuevo, como Santiago del Nuevo Extremo.
Con las canciones El viaje, Lluvias en el sur y Entre el nicho y la cesárea, entre otras, aparece su primera producción, titulada sencillamente Schwenke & Nilo. Al sonido clásico de las guitarras se le suman los de los bronces y teclados. Por otra parte, las letras hacen algunas alusiones al sistema político imperante. Aunque no de manera totalmente explícita, el dúo evidencia su vocación política de izquierda, lo cual implica diversas amenazas a sus integrantes. A partir de 1982, Nelson Schwenke vive un año en Alemania, sin dejar de componer y de proyectar su labor artística. El volumen II de su producción aparece en 1986. A pesar de la marginalidad mediática, Schwenke & Nilo alcanzan un grado de popularidad importante. Pero dos años después, su tercer disco no tiene la misma acogida que los anteriores. El declive de la dictadura parece desdibujar la labor de los artistas del Canto Nuevo.
A partir de su cuarto disco, los integrantes del dúo continúan con sus respectivas profesiones. Nelson se muda a la ciudad de La Calera, mientras que Marcelo da clases en la Universidad y colabora en la Fundación Víctor Jara. Todo esto sin dejar de lado la música. En 1993 aparece el CD “Schwenke & Nilo, Vol. V” y el año siguiente dos de sus temas forman parte de la Antología del canto Nuevo: “Mi canto” (Schwenke) y “Hay que hacerse de nuevo cada día” (Clemente Riedermann y Schwenke), que dan testimonio de los difíciles tiempos bajo gobierno militar. 1997 es el año de publicación del sexto volumen del dúo, que también participa del Tributo a Víctor Jara con su versión de “Luchín”.
“20 años. Crónica de un viaje” es un álbum doble grabado en vivo. Publicado en el año 2000, este disco cierra una etapa junto al sello Alerce. Cuatro años más tarde aparece el “Vol.VIII”, publicado por el Fondart (Fondo Nacional de las Artes), mientras que en 2006 el disco “Mil voces Gladys” incluye su canción “Te vengo a decir”.
El último sueño cumplido por Schwenke & Nilo ha sido, tras exitosas presentaciones en Chile, una gira por Europa en mayo pasado junto al guitarrista Edgardo Riquelme y el bajista Carlos Martínez. Tocaron en Lisboa, Coimbra (ambas en Portugal), Luxemburgo, Estocolmo (Suecia), Bruselas (Bélgica) y en la capital francesa, París. El 20 de junio nos enteramos de la triste noticia: Nelson Sschwenke ha sido atropellado por un automóvil en la comuna santiaguina de Providencia, falleciendo dos días después. Su vasta obra queda como testimonio de una época vivida entre desazones y alegrías, sin perder jamás las esperanzas.

Hay que hacerse de nuevo cada día
(Clemente Riedermann / Nelson Schwenke)
Hay que hacerse de nuevo cada día
poner en un cordel cada derrota
colgar en nuestra historia unos pañales
que digan: "seguimos intentando".
Hay que hacerse de nuevo cada día
ponerse muy temprano los zapatos
que nos lleven hacia el arco iris
donde está la idea, el fruto, el canto.
Tenemos que juntar nuestras verdades
tenemos que reír a toda costa
tenemos que inventarnos la esperanza
hay que hacerse de nuevo cada día.
Hay que pintar de nuevo este paisaje
buscarnos nuevos lentes de contacto
conseguir un nuevo silabario
nuevas carreteras y aeroplanos.
Hay que hacerse de nuevo cada día,
subiendo de la mano la montaña
no harán por nosotros la tarea
de fundar ciudades del mañana.
Tenemos que juntar nuestras verdades
tenemos que reír a toda costa
tenemos que inventarnos la esperanza
hay que hacerse de nuevo cada día.

Sitio oficial: www.schwenkeynilo.scd.cl


martes, 22 de mayo de 2012

Xavier Ribalta en Argentina




Uno de los más importantes trovadores en lengua catalana acaba de presentar en el país sudamericano las canciones de su nuevo CD “Una ciutat llunyana” (“Una ciudad lejana”) además de invitarnos a un recorrido por más de cuatro décadas de música y poesía.

Sábado 19 de mayo de 2012
Teatro Margarita Xirgu
Casal de Catalunya en Buenos Aires
Calle Chacabuco 875

El recital del sábado 19 ha sido la coronación de una gira por distintas ciudades argentinas: La Plata, Rosario, Santa Fe, Mar del Plata, Venado Tuerto, Paraná, Córdoba y Mendoza. Este evento se tornó atractivo por varios motivos: uno de ellos es la poca frecuencia con que se presentan en Sudamérica artistas de lengua catalana (hecho que felizmente se está revirtiendo). Otro motivo de interés ha radicado en la posibilidad de escuchar en directo canciones del reciente disco “Una ciutat llunyana”, dedicado a la poesía de Màrius Torres (1910-1942) poeta catalán cuya producción literaria se publicó póstumamente.


Amplia y a su vez acogedora, la Sala Margarita Xirgu recibe a Xavier Rivalta con alegría. Junto a su acompañante, el guitarrista argentino Jorge Labanca, Xavier comienza un interesante concierto que de alguna manera intenta sintetizar 47 años de arte musical y poético. Salvador Espriu i Castelló (1913-1985) ha sido un poeta, dramaturgo y novelista catalán, que cobró inesperada popularidad en los años 60 gracias al director teatral Ricard Salvat y el cantante valenciano Raimon. Ribalta nos presenta su versión del poema La pell de brau (La piel de toro).

Del citado poeta  Màrius Torres, podemos escuchar dos hermosas recreaciones en las que Ribalta y Labanca se acompañan de una grabación orquestal: M’he despertat tot sol (Me he despertado en soledad), escrito en 1937 y Dolç Àngel de la Mort (Dulce ángel de la muerte), de 1936. Ambas creaciones ponen de relieve la reflexión sobre la vida humana y la muerte presentes en la obra de Torres. La ciutat llunyana (La ciudad lejana) en tanto, es una oda a la libertad.

Jorge Labanca ha sido parte de importantes agrupaciones como el Cuarteto de Guitarras Martínez – Zárate y desde hace muchos años acompaña al trovador leridano con rigor artístico. De hecho, el dúo de voz y guitarra , recreando el arte de antiguos juglares, parece sentarle mejor a la poesía que la majestuosidad orquestal.

Joan Salvat – Papasseit (1894-1924) ha sido un poeta de vanguardia, que simpatizó con las corrientes anarquistas y socialistas de su época. Considerado el máximo representante del futurismo en lengua catalana, se popularizó notablemente en los años 60 del siglo pasado gracias al movimiento de la Nova Cançó (Nueva Canción). De hecho, Xavier Ribalta ha sido uno de los primeros artistas que han conformado dicho movimiento, pero siguió un camino independiente que incluso le valió el exilio artístico. Ambos artistas, poeta y cantor, se unen en  las versiones de Si jo fos pescador (Si yo fuera pescador) y Res no és mesquí (Nada es mezquino), que también ha sido recreada por Joan Manuel Serrat.
Los poemas, leídos en castellano previamente a su versión musicalizada, dan cuenta de una rigurosa selección por parte de Ribalta, garantizando un contenido inteligente, lúcido y lírico traducido en una gran voz y una dulce lengua mediterránea. Apel·les Mestres, escritor y músico barcelonés (1854 – 1936) es presentado por Xavier como un “Rey Midas de la cultura”: su creación No passareu! (¡No pasarán!), dedicada en 1914 al pueblo belga invadido por los alemanes, se ha convertido en un himno por las libertades , quedando asociada a los acontecimientos de la Guerra Civil Española (1936 -1939).

Joan Maragall i Gorina (1860 -1911), figura clave de la poesía modernista del cambio del siglo XIX al XX llega a través de su poema Excelsior, citado por Rafael Alberti como una “gran invitación a la huida de la tierra inmóvil”. Léo Ferré (1916 -1993) ha sido uno de los grandes referentes de Xavier Ribalta. Compositor, cantante, novelista y director de orquesta francés, es considerado uno de los grandes compositores de la “Chanson”. Ribalta ha traducido, bajo el nombre Amb el temps (Con el tiempo) su composición Avec le temps: “…és amb el temps que tot es va” (“…es con el tiempo que todo se va”).

Joan Margarit i Consarnau (nacido en Lleida en 1938) es un poeta, arquitecto y catedrático español. Poeta bilingüe en castellano y catalán, Margarit ha merecido un disco completo por parte de Xavier Ribalta. Entre las obras elegidas, el trovador nos canta Els ulls del retrovisor (Los ojos del retrovisor), dedicada por el poeta a su hija Joana. La libertad (La libertad) dice en sus versos “la llibertat es la raó de vivre” (“la libertad es la razón de vivir”), mientras que Final del recital, escrita a pedido de Ribalta, anuncia el cierre de un concierto maravilloso que merece repetirse por estas tierras.

Agradecimientos especiales a
Xavier Ribalta
Antonella Felici
Casal de Catalunya en Buenos Aires
Cancioneros.com





Contacto:

lunes, 14 de mayo de 2012

Lala Jazz Band



Sábado 12 de mayo de 2012
Centro Cultural Eureka
Corrientes 4269, Ciudad de Buenos Aires


Laura Fajardo, a quien habíamos conocido como la voz femenina del grupo folklórico Wayrapampa nos sorprende con otra faceta musical. Secundada por excelentes músicos, Laura presenta Lala Jazz Band, a través de la cual se da el gusto de interpretar un repertorio exquisito.


La música que conocemos como jazz surgió en Estados Unidos a fines del siglo XIX combinando elementos de la música europea con otros de la cultura afroamericana. Se trata en realidad de una familia de géneros musicales, abierta a otras influencias. Entre los años 1915 y 1916, el término jazz se consolida en ciudades como Chicago y Nueva Orleans, obteniendo gran popularidad a través de las distintas bandas que interpretan estos ritmos.  En nuestro país y desde temprano, el jazz ha tenido importantes cultores y seguidores.

Enrique Gallo Calderón


Santiago Lamisovski


El recital comienza con una introducción instrumental a cargo de la banda, formada por Enrique Gallo Calderón (piano), Santiago Lamisovski (contrabajo) y Nicanor Faerberg (percusión). Entre los temas interpretados por Laura, que se distingue, además de su gran voz, por su simpatía y soltura en el escenario, destacan Taking a chance on love, compuesto en 1940 por John Latouche y Vernon Duke, So nice, versión en inglés de la bossa nova Samba de Verão (Marcos y Paulo Sérgio Valle) y My baby just cares for me (1928, Gus Kahn y Walter Donaldson), muy conocida en la versión de la recordada cantante Nina Simone.

Nicanor Faerberg



Otro de los puntos altos del concierto es Fly me to the moon (1954, Bart Howard), grabado por Frank Sinatra en 1964. Como bis, How high the moon, de Nancy Hamilton y Morgan Lewis, cerrando una actuación brillante que merece repetirse.

domingo, 15 de abril de 2012

Santiago Delgado presentó su disco “Por la Patria Grande”


Casa de la provincia de Corrientes
San Martín 333
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
casacorrientes@hotmail.com
Viernes 13 de abril de 2012

Santiago Delgado nació en 1972 en Paso de los Libres, pero se crió en Concepción Jaguareté Corá, provincia de Corrientes. Llegó a Buenos Aires en busca de mejores perspectivas laborales, afincándose en el municipio de La Matanza, en las cercanías de la capital argentina. Estudió con afamados músicos y en un principio se apasionó por la música de raíz andina, aunque la nostalgia por su tierra lo llevó a explorar otras formas artísticas relacionadas con el chamamé. Conoció al Trío Avañe’e y encontró en su camino a “hermanos inesperados” que le ayudaron en un proyecto colectivo y solidario. Santiago plantea una “proyección latinoamericana del canto del litoral”, que innova en la utilización de instrumentos de rock y raíces del folklore, conquistando inmediatamente a un público tan variado en edad como en identidad musical.


Tras la simpática conducción de don Mariano Olivares, Santiago y sus músicos suben al escenario para comenzar a desgranar las canciones de esta primera producción discográfica. El primer tema es el Chamamé de la Patria Grande, que retoma los postulados estéticos del Nuevo Cancionero, surgido a mediados de los 60 como necesidad de adecuar melodías y líricas a las realidades del pueblo. Por su parte, Hijo del sol (Hugo Chumbita / S. Delgado y Carlos Freygtas) es un homenaje al Libertador don José de San Martín, recordando su origen correntino y las luchas por la Independencia de la Nación. Santiago recrea en lúcidos versos e interesantes composiciones musicales nuevas páginas que formarán parte de la historia musical de nuestro país.
Luis Billy Quinteros


Gustavo Rueda (batería), Luis Billy Quinteros (bajo) y Julio Muñoz (primera guitarra) son músicos matanceros que han apostado por este proyecto de Santiago, secundándolo en interesantes arreglos y concepciones musicales que terminan de dar forma a las creaciones del cantautor litoraleño. Facón Grande, chamarrita dedicada a Osvaldo Bayer, es un homenaje a José Font, carrero entrerriano que dirigió la resistencia contra la explotación de los peones santacruceños por parte de estancieros ingleses en los años 1920 y 1921. Font es uno de los tantos personajes olividados por la “historia oficial”, que revive en las coplas de Santiago. El rasguido doble Yacyretá (según la grafía actual del guaraní debería escribirse Jasyreta) alude al “monumento a la corrupción” que significa la represa hidroeléctrica administrada por un ente binacional argentino – paraguayo, obra aun no concluída y que ha causado mucho daño a los pueblos de su área de influencia. El nombre, a su vez, alude en guaraní a la Región de la Luna, “un sueño, un proyecto, una esperanza para poder seguir creciendo sin lastimar a la madre tierra”. Una vez más, Santiago y sus músicos exhiben fuerza interpretativa y enorme creatividad en letra y música.
Julio Muñoz

Santiago revela excepcionales condiciones de trovador, rescatando la hermosa tarea de contar historias. Ñande Yvera (Nuestras aguas brillantes) nos acerca a los famosos Esteros del Yvera (Iberá), el segundo humedal más grande del mundo, mientras que La Negra Sosa es un homenaje no sólo  la más universal de las cantoras argentinas y latinoamericanas, sino también a “la mujer de Abya Yala—nombre primitivo del continente americano--.Se trata de un rasguido doble con impronta rockera, que mixtura ambos ritmos con sabiduría.

Gustavo Rueda

Madre provinciana es la forma en que Santiago rinde honores a todas las madres en la semblanza de su propia madre. Una voz agradable y firme ayudada por una buena presencia escénica, lejos de espectaculares escenografías y efectos. Por el contrario, la sencillez del escenario ayuda a concentrarse en el disfrute de las canciones. El peón de estancia Tañí Vallejo es protagonista de otro chamamé: La fiel estampa, evocando la niñez en Yaguareté Corá y el recuerdo de este kamba porã (moreno bueno, linda persona).


Ante el entusiasmo del público, un bis: Andresito. Andrés Guazurarí ha sido gobernador de Misiones y continuador de las luchas por la independencia. Se unión en 1811 a las tropas del general Manuel Belgrano y posteriormente adhirió a los federales, liderados por José Gervasio de Artigas. En 1817 derrota a las tropas luso-brasileñas ; en 1819 impulsa una reforma agraria y libera a esclavos afrodescendientes. Este año, en desigual combate es capturado por los brasileños y enviado a Rio de Janeiro, donde fallece. El homenaje de Santiago no es una canción más, por el contrario, vuelve a rescatar a otro personaje histórico poco nombrado en los libros de historia, pero siempre presente en el corazón de sus coterráneos.


Video: Andresito, por Santiago Delgado
(c) Fogón Latinoamericano y Santiago Delgado

Más información
santiagopora@yahoo.com.ar

lunes, 12 de marzo de 2012

Sinestesia: interesante experiencia musical


Sinestesia en vivo
ICA – Instituto Cultural y Artístico
Alberdi 4038, Villa Ballester, Buenos Aires
Sábado 10 de marzo de 2011

            La música que hoy conocemos bajo el rótulo de “rock nacional” nació y creció en un ambiente favorable a la creación y experimentación, al calor de las transformaciones sociales y culturales que comenzaron en la década de los ’60. Y si bien nuestro rock recibió influencias de la cultura anglosajona, supo encontrar su cauce en expresiones propias, poesías y músicas que han ido abonando un terreno fértil en el imaginario de los jóvenes. Tras un largo recorrido que incluyó la resistencia cultural en los años oscuros de dictadura, estas manifestaciones parecieron declinar—salvo honrosas excepciones—a melodías más festivas y menos comprometidas con la realidad. Sinestesia recrea lo mejor del rock argentino e internacional abrevando en fuentes diversas pero exquisitas, desde Frederic Chopin a Luis Alberto Spinetta.



Sebastián Reymundi

El recital comienza con la obra Enigma al partir, con una buena introducción en los teclados de Rodrigo Gómez, creando “atmósferas” musicales que se hacen más evidentes en el siguiente tema, Postal. La música se vuelve más intensa a partir de Forever love, cuya versión original pertenece al popular grupo de heavy metal japonés X-Japan, incluyendo excelentes arreglos e instrumentaciones. En tanto, Her dreams es muy rockera, incluyendo ritmos bien marcados por la batería (Gonzalo Juani) y el bajo (Nicolás Loiacono). El estilo de esta canción rememora canciones de los años 70 por su complejo y apasionante entramado musical. Sebastián Reymundi logra buenos climas en su voz y sus guitarras (eléctrica y acústica), más notables en creaciones de Fito Páez, como Sasha, Sissí y el círculo de baba, compuesta en 1992 por el artista rosarino. Gonzalo acierta en la percusión con bongós, potenciando las virtudes de esta canción.

Gonzalo Juani


         

Mención aparte merece la “extravagancia” de Nicolás al incluir una obra propia, el Nocturno en Do Menor “Lunación”, interpretado magistralmente en el teclado. Una obra de tan sólo  seis minutos que sintetiza el legado del  mencionado autor polaco, máximo representante del Romanticismo musical.
Nicolás Loiacono


Aprendí, cantada a dúo por Rodrigo y Sebastián y La agonía de las flores, más cercana a la balada, representan un estilo muy presente en buena parte de la obra de Sinestesia. En Rock yugular, “cover” de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, Rodrigo Gómez va perdiendo la entonación llegando a desafinar en forma notoria. Lo que en un grupo poco exigente podría tildarse hasta de “divertido”, en un conjunto tan meritorio como Sinestesia es, al menos, una desprolijidad. No es una falla grave pero debería corregirse en pos del perfeccionamiento musical que sin duda podrán alcanzar. Por otra parte, esta canción exhibe un buen concepto de arreglos. Otro tema que podemos señalar no tiene que ver con alguna imperfección y, por tanto, es una apreciación subjetiva. Se trata de una cuestión del estilo del conjunto. Tanto Sebastián como Rodrigo parecen tender a imitar a Fito Páez, lo cual si bien evidencia la admiración hacia un músico notable, le quita personalidad al grupo.
Rodrigo Gómez y Sebastián Reymundi

Rodrigo Gómez

Penumbra, canción de Luis Alberto Spinetta incluida en el disco “Fuego Gris”  es un gran hallazgo en el repertorio de Sinestesia. Compuesta antes que la celebérrima “Muchacha ojos de papel”, exhibe influencias del conjunto inglés The Beatles fusionada con la genialidad del recordado Flaco. Entran en escena Silvia (coros) y Leo (saxo) para acompañar a estos grandes músicos en la canción Acércate a ver. Otra recreación notable—muy buena instrumentación--es la de Isn’t it a pity,  de George Harrison (1943-2001), quien fuera integrante de la legendaria banda The Beatles.
Leo
Silvia y Gonzalo

La noche de música intensa y emotiva finaliza con la melodía Forever love que habíamos escuchado al principio, remarcándose el muy buen sonido de la guitarra en la melodía principal. Un gran recital que será recordado por mucho tiempo y que conlleva el desafío de seguir creciendo para poder estar a la altura de los más grandes de nuestra música. Sinestesia ya ha dado muestras que va por el camino correcto.

Agradecimiento especial a Nico Loiacono.

Más información:
Facebook: Sinestesia Musica




sábado, 4 de febrero de 2012

Sara González: maravillosa voz de la Nueva Trova


La voz femenina de la Nueva Trova Cubana ha fallecido este miércoles 1 de febrero a los 60 años en su natal ciudad de La Habana. Su obra es fiel testimonio del momento histórico que le tocó vivir, así como su compromiso con el devenir social y político de su tierra.
Fotos de Sara: gentileza de Kaloian Santos Cabrera

Sara nació el 13  de julio de 1949 en el barrio habanero de Cayo Hueso. Su primer maestro de música ha sido Nené Enrizo, quien la introdujo en el maravilloso mundo de la guitarra, mostrando Sara grandes condiciones para el arte desde pequeña. Ya en su juventud, ingresa en el Conservatorio Amadeo Roldán para tomar clases de viola. Posteriormente se recibe de Profesora de Guitarra y Solfeo en la Escuela Nacional de Instructores de Arte.
Hacia finales de los años 60, Sara participa de un conjunto musical de cierta fama, “Los Dimos” y también forma parte de un dúo con Pedro Luis Ferrer. En ese tiempo, la lectura de las obras de José Martí y los cambios que acontecían tras una década del triunfo de la Revolución influyeron notoriamente en Sara, quien plasmará en su obra ese riquísimo sustrato cultural. En 1970 se forma el Grupo de Experimentación Sonora, una iniciativa del ICAIC (Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfica) que buscaba formar musicalmente a jóvenes creadores e incentivarlos a crear obras que complementaran las nuevas expresiones cinematográficas. Esta fantástica experiencia fructifica en canciones como “Fragmentos del 27 de noviembre” (sobre un poema de José Martí), “De padres a hijos, juntos a la Revolución” (1973, para el filme “La Nueva Escuela”, de José Fraga) y “El programa del Moncada”, sobre textos de Fidel Castro. Esta última canción forma parte del documental del mismo título, dirigido por Octavio Cortázar, también de 1973. Sara también interpreta obras de sus compañeros del Grupo, como “Canción de los C.D.R.”, de Eduardo Ramos, o “Un hombre se levanta” de Silvio.



En 1975, la institución cultural Casa de las Américas le encomienda la creación de canciones basadas en poemas de José Martí. Este desafío, incentivado por sus colegas del Grupo de Experimentación Sonora, se plasma finalmente en el disco “Versos de José Martí” (1975) e incluye “Versos sencillos” y “Crin hirsuta”, por ejemplo, manifestando el gran talento de Sara González. En sus próximos discos alternará obras de otros autores con creaciones propias de gran calidad como “¿Qué dice usted?”:

¿Qué dice usted,
que una mujer es la flor
de aquel Edén, del dulce hogar,
y para hacer el amor?
Si la historia nos grita otra verdad.

Por otra parte, “Girón: La victoria”, es la tercera parte de una obra conjunta sobre la invasión a Playa Girón acontecida en abril de 1961. La magnífica fuerza interpretativa de Sara es una de las caras de la moneda. Sara puede emocionar con la dulzura de una canción de amor o con la agitación de una obra que requiere el máximo vigor para transmitir toda su potencialidad. Así lo demuestra también en dos canciones dedicadas a Ernesto “Che” Guevara: “Su nombre es pueblo”, de Eduardo Ramos y “Andes lo que andes”, esta última junto al grupo Manguaré. Todas estas obras pertenecen a su disco “Sara”, de 1977, aunque las dos últimas pudieron ser disfrutadas por el público argentino en la colección de 3 CD “Canciones al Che” que publicó el diario Página/12 en el año 2000.



El único disco original de Sara publicado en Argentina ha sido “Cuatro cosas”, de 1982. Aquí lo editó cinco años después el sello RCA, para delicia de los amantes de la Nueva Trova. Contiene una selección de las mejores canciones del género, como “Ámame como si fuera nueva”, de Miriam Ramos, “Canción (De qué callada manera)”, de Nicolás Guillén y Pablo Milanés, en fantástico dúo con Pablo, “De otra manera”, de Vicente Feliú y “Cuatro cosas” de Noel Nicola, además de la festiva “Amor de millones”, de la propia Sara. Como si todo esto fuera poco, hay emotivos homenajes: el primero al “Comandante Carlos Fonseca”, de Tomás Borge y Carlos Mejía Godoy, recordado protagonista de la Revolución Sandinista, y “A una heroína de la Patria”, sobre un poema de Fina García Marruz dedicado a Haydeé Santamaría, combatiente del Moncada y directora de la Casa de las Américas. En varias canciones del disco la acompaña el excelente grupo Guaicán, dirigido por Andrés Ordás Aguilera, más conocido como Pepe Ordás.

Versión argentina, en casete, de la producción "Cuatro Cosas"



En 1990 aparece, ya en formato CD, una maravillosa obra: “Con apuros y paciencia”. Sara y el grupo Guaicán nos entregan hermosas versiones de canciones que, aun conocidas, no dejan de emocionar en la hermosa voz de Sara: “Hoy mi deber”, de Silvio, “Por qué cantamos” (Mario Benedetti / Alberto Favero), “Son oscuro”, excelente canción de Noel Nicola y el divertido “Son de la muerte” de Frank Delgado. Sara aporta sus composiciones “Dime dónde cantar” y “Con apuros y paciencia”.
En 1998 publica para un sello español nuevas versiones de su repertorio, a modo de “Grandes éxitos”, con otro acompañamiento pero acompañada de grandes voces. Así, podemos escuchar y disfrutar “Mírame”, bolero-son de y junto a Pepe Ordás, “Amor de millones” (el mismo dúo), “De donde viene el amor”, de Ordás, junto a Pablo Milanés y “La guitarra”, de y con Amaury Pérez Vidal. La etiqueta Caribe Productions Inc. se encarga de publicarlo en Cuba. Si bien González comparte escenario con grandes artistas como Joan Manuel Serrat, Mercedes Sosa, los nombrados Silvio, Pablo y Noel Nicola, Daniel Viglietti y Beth Carvalho, no tenemos oportunidad de disfrutar de su arte en nuestro país, excepto una fugaz presentación en un concierto conjunto de Milanés y Rodríguez.


La década siguiente encuentra a Sara trabajando en nuevas obras. “Sin ir mas lejos”, grabado en 1995 y publicado en 2000, es un homenaje a Marta Valdés, quien participa en varias interpretaciones.  “Son de ayer y de hoy” (2001) incluye obras de Silvio, Noel, Miriam Ramos e incluso un dúo con Compay Segundo (“Te apartas de mí”). Los dos últimos discos publicados por Sara son dos volúmenes de “Canto de mujer” publicados el primero en 2004 y el segundo y último en 2009, incluyendo obras de Yusa, Isolina Carrillo, Lázara Rivadavia, Liuba María Hevia (“Ausencia”), Radeunda Lima (la conocidísima “Mi tierra es así”) y un par de canciones del repertorio de Celina González: “Flores para tu altar” (Julia Ana Mendoza) y “Yo soy el punto cubano”, de la propia Celina y Reutilio Domínguez. Por su parte, Sara aporta sus creaciones “Por todo, gracias” y “Todo y más”.
En los últimos tiempos la voz femenina de la Nueva Trova se encontraba trabajando en su peña “El patio de la Gorda”, como la llamaban cariñosamente. Allí dio su último recital el 26 de diciembre de 2011. La tristeza de su partida sólo se mitiga al calor de su magnífica obra musical y poética.