V Festival Internacional de Música “Sonamos Latinoamérica” (Tercera y última Noche)

El conjunto venezolano Guasak4

Domingo 30 de octubre de 2011

La sala Horacio Castillo del Centro Cultural Provincial abre nuevamente sus puertas para albergar la última noche de encuentros musicales en Santa Fe.  El artista que abre la velada es José Ceña, nacido en el barrio porteño de San Cristóbal. José es un apasionado por la obra de Atahualpa Yupanqui, a quien recrea con respeto y sensibilidad, como se puede apreciar en el disco “Canciones del mensajero”, aparecido hace pocos años.

.

La primera canción, un solo de guitarra y voz de José, es Vendedor de yuyos, del recordado músico aquerenciado en Cerro Colorado. Ceña exhibe excelentes condiciones, tanto por su timbre de voz como por sus conocimientos musicales. En el siguiente tema, también se suman el pianista Fernando Lernoud y el flautista Pablo Larghi. Se trata de la obra De aquellos cerros vengo, de Yupanqui y Pablo del Cerro, con excelentes arreglos del grupo. Hay canciones del mismo autor que son menos conocidas pero igualmente interesantes como la zamba Viento, viento y la “canción de los cerros” El promesante, gran versión en la voz de José.

Video: José Ceña

 (por gentileza de Sonamos Latinoamérica)

También disfrutamos de la obra de otros autores: la zamba La mula ánima, de Gustavo “El Cuchi” Leguizamón y la chacarera de los Hermanos Núñez Agüita demorada. Cierran esta parte del recital otras dos obras de don Atahualpa: el huayno Punay y la hermosa Canción para Doña Guillerma. El repertorio, poco transitado, es otro acierto de José Ceña, sumado a sus excepcionales condiciones vocales y a su gran talento como músico e intérprete. Los músicos acompañantes logran arreglos tan novedosos como descollantes, fruto de un trabajo conjunto en el que se nota la dedicación, el esfuerzo y el gusto por el repertorio de raíz folklórica, recreado con un sonido actual que a su vez respeta la concepción original de las canciones.

Tras una merecida aclamación del público, José se despide con la chacarera Añorando, de los Hermanos Simón.

Nos visita por segunda vez un grupo formado por gente muy joven: Guasak4, de Maturín, en el estado venezolano de Monagas. Sus integrantes son Daniel González (bajo), Saúl Silva (maracas o capachos), Daniel Requena (cuatro), Héctor Medina (cuatro y voz) y Paur García (percusiones).  Las dos primeras obras, Onda nueva (Ademaro Romero) y Aquel zuliano (danza zuliana de Renato Aguirre) exhiben ricas armonizaciones para todos los instrumentos.  Como rasgo distintivo, Guasak4 ofrece una variedad de ritmos bailables muy contagiosos y creativos.

Guasak4

Guasak4: Héctor Medina, Daniel Requena y Daniel González

El merengue caraqueño El norte es una quimera, de Luis Fragachán, comienza con acordes de rock al mejor estilo de Elvis Presley a los que se suma mucha percusión; posteriormente el tema adquiere aires de jazz muy interesantes. María Antonia, ritmo caribeño (originalmente un merengue) recopilado por Gualberto Ibarreta, es una excelente muestra del arte de estos muchachos.

Video: María Antonia (fragmento) por Guasak4

 (c) Fogón Latinoamericano

Al pasaje llanero Cajón de Arauca Pureño le sigue Desesperanza (Alfredo Sabell), cantado por el bajista Daniel González. Es un bolero que poco tiene que ver con el resto del repertorio, resultando un punto flojo de la actuación. Por el contrario, una creación original de Héctor Medina, el Joropo para Cristo, rescata el ritmo del joropo oriental, “casi en extinción”, al decir del propio Héctor, ya que resulta difícil de tocar. El grupo toca este ritmo con cuatro, mandolina y maracas. Originalmente pueden sumarse tambor y acordeón.  La versión de este joropo es excelente.

Guasak4: Saúl Silva, Paur García y Héctor Medina

Guasak4

Finaliza la actuación de Guasak 4 un joropo llanero llamado Cari cari con pajarillo, que incluye partes solistas de los dos cuatristas y del maraquero. Dada la excelencia de este conjunto venezolano, es deseable que pueda presentarse en nuestro país con mayor frecuencia y con más publicidad, ya que son pocas las oportunidades de escuchar a intérpretes de música venezolana por aquí.

Debido a la ausencia de algunos intérpretes anunciados originalmente en el Festival, el cierre del mismo está a cargo de Sonamos Latinoamérica Grupo, conformado por los muchachos de Guasak4 y la cantante y presentadora del festival, Ysabel Tamayo, que reside en nuestro país desde hace 24 años.

La actuación de Sonamos Latinoamérica Grupo se distingue más por la simpatía de la cantora que por sus condiciones vocales, pero logra la empatía del público presente interpretando canciones muy conocidas del repertorio venezolano como Caramba, de Otilio Galíndez, la celebérrima Caballo viejo, de Simón Díaz, y Moliendo café, de Hugo Blanco.

El cierre—con el impecable acompañamiento de los músicos de Guasak4—es a través del tema El gavilán, del Indio Figueredo, conocido aquí en las versiones de Los Olimareños e Illapu, entre otros intérpretes.  De esta forma, la versión santafesina del Festival Sonamos Latinoamérica se despide hasta el año próximo, continuando la fiesta musical en la sede de San Marcos Sierra (departamento Cruz del Eje, Córdoba).

El balance del V Festival Sonamos Latinoamérica es excelente, superando ampliamente las expectativas dada la calidad y variedad de los intérpretes, su procedencia y los estilos de música que hemos podido disfrutar. Nuestras felicitaciones a los organizadores y a toda la gente que de una u otra manera ha hecho posible esta fiesta cultural.

Agradecimientos especiales al Sr. Oscar “Poli” Gomítolo

Más información:

http://josecenia.blogspot.com

http://www.myspace.com/guasak4

http://www.sonamoslatinoamerica.com

V Festival Internacional de Música “Sonamos Latinoamérica” (Segunda Noche)

Santa Fe, Sábado 29 de octubre de 2011

Tras una auspiciosa noche inaugural, “Sonamos Latinoamérica” abre una nueva velada que promete ser tan generosa y variada como la que ya hemos podido disfrutar. Con la simpática conducción de Ysabel Tamayo y Oscar Gomítolo se levanta nuevamente el telón en el Centro Cultural Provincial.

Oscar "Poli" Gomítolo

El dúo Malosetti – Goldman se forma en agosto de 1996, uniendo los talentos de Raúl Malosetti (guitarrista y compositor) y Rolando Goldman (charanguista).  Ambos comienzan a estudiar música  desde muy jóvenes. Mientras  que Raúl recibe las influencias del jazz por parte de su tío Walter Malosetti, Rolando profundiza en las sonoridades de raíz folklórica.  Con una gran trayectoria solista en sus respectivos estilos, la conformación del dúo nos permite acceder a un nuevo universo en que se entrecruzan diferentes formas de entender la música.

Raúl Malosetti (izq.) y Rolando Goldman

En equilibrio (Malosetti) inicia el recital, simbolizando de alguna manera la propuesta del dúo. Le sigue una excelente versión del vals venezolano El diablo suelto, de Heraclio Fernández, una de las piezas preferidas de los grandes guitarristas del mundo. Raúl nos brinda su gran fuerza expresiva en un tema propio llamado Sabona, ejecutado sólo con guitarra. Por su parte, el charango solista de Rolando se luce en la hermosa obra El arriero, compuesta por el mítico músico boliviano Mauro Núñez. La obra es muy bonita en su musicalidad.

Tras los temas solistas, el dúo vuelve a tocar como tal: Un día de agosto, de Raúl Malosetti es un tema con mucha fuerza: nos sugiere elementos del rock, emulando la guitarra algunas sonoridades del bajo. El charango suena espléndido, con idéntica intensidad.  En otras interpretaciones el sonido muy andino se mezcla con los punteos “rockeros” de Malosetti, que le brindan un toque interesantísimo a la melodía. Las innovaciones de Raúl y la excelencia del charango de Goldman se complementan de maravilla para crear nuevas sonoridades.

La cueca La bolivianita (que en el CD del dúo aparece como anónima, mientras otras fuentes la atribuyen a Antonio Pantoja) se traduce en una ejecución impecable, realzada aun más por el excelente sonido de sala. Como bis, el Dúo Malosetti – Goldman recrea el bailecito Subida, del afamado músico y luthier Ernesto Cavour.

El Trío Cordes Pinceés de Paris es otro de los lujos que nos brinda el festival santafesino. Conformado por Zdenka Ostadalova (clavecín), José Mendoza (charango y bombo) y Gérard Verba (guitarra), esta agrupación ha experimentado la recreación de música académica, sumando flauta y violín, y también  la música de raíz latinoamericana.

El primer tema, popular español del siglo XVII recopilado por Luys de Narváez (1500-1550), Guárdame las vacas le da un especial protagonismo al clavecín, tocado de forma exquisita. Le sigue una Chacona del autor italiano Niccolò Vito Piccinni (1728-1800) , pieza con sonido de estilo barroco al que se suma la belleza del charango.

Gaspar Sanz, nacido en Teruel en 1640, ha sido un compositor y guitarrista del Barroco español que nos ha dejado como legado una gran cantidad de obras variadas en ritmo y estructura. El Trío recrea con maestría estos temas españoles que reciben los nombres de Españoleta, Pavana, Gallarda y Zarabanda, donde José demuestra una gran habilidad con las castañuelas y Gérard una delicada interpretación guitarrística que evoca las composiciones de otro gran autor español: Francisco Tárrega.

Video: Trío Cordes Pinceés

(gentileza Sonamos Latinoamérica)

Antes del final, una obra cuya autoría comparten Gérard y José (quien ejecuta un charango hecho con el caparazón del quirquincho): se trata de Dos continentes, tema que ahonda en las raíces latinoamericanas, y al que asociamos con la versión que hiciera el grupo Inti-Illimani del tema Huajra de Atahualpa Yupanqui. Pero a diferencia de aquella interpretación, la composición de Mendoza y Verba posee una mayor variedad de sonoridades propias de cada uno de los instrumentos que tocan. El broche de oro se lo lleva Fandango, baile popular español recreado por el compositor italiano Luigi Boccherini (1743 -1805).

El Trío de Ida y Vuelta es un conjunto colombiano formado por Samuel Ibarra (dirección, flauta y guitarra), Diego Germán Gómez (bandola) y Julián Solano (tiple) en el año 2005, cuando egresaron de la Escuela de Música de Ginebra (departamento Valle del Cauca). La propuesta de este grupo musical ahonda en ritmos de la región andina de Colombia muy populares durante la primera mitad del siglo XX y que ahora aparecen rescatados y recreados con algunos toques novedosos sin llegar a modificar sustancialmente las raíces de estas creaciones.

El pasillo colombiano Bodas de oro es la primera obra que nos permite apreciar la calidad del trío. Corazonada, de Luis Uribe Bueno, es también un pasillo, cuya dulzura es similar al valsecito y que contiene también elementos españoles y caribeños. Según los jóvenes intérpretes, ésta es “una música llena de contrastes”. Luis Calvo, nacido a finales del siglo XIX está presente en el recital a través de su vals Secreto, que posee una estructura y ritmo variados entro del mismo tema.

La gavota María (de Benigno “Mono” Núñez) aporta un sonido más similar al de la música culta europea, pero es el ritmo el que lo diferencia de aquellas obras. Aquí se lucen la bandola de Diego y la flauta dulce en la ejecución de Samuel. Cabe destacar que la bandola deriva de instrumentos del “Viejo Continente” como la mandolina o la bandurria, mientras que el tiple, interpretado por Julián, es netamente colombiano. Seguimos en la región andina colombiana (la cual conforman catorce departamentos): Samuel vuelve a maravillar con la ejecución de aerófonos, luciéndose especialmente en partes muy veloces de la obra. Se trata de El tolimense, de Gentil Montaña.

Otro ritmo que estamos conociendo a través del Trío de Ida y Vuelta es el bambuco, que recibe aportes de la música africana. En este caso, la obra Sentimiento motilón, de Luis Uribe Bueno alude a los indios motilones del departamento Norte de Santander. La bandola le brinda a este tema un aire juglaresco muy interesante. Como bis, un pasillo que estos talentosos jóvenes tocan desde niños: Constelación, de Álvaro Romero, un compositor que ha creado obras para trío típico y grabado como intérprete más de veinte discos. El paso del Trío de Ida y Vuelta por Santa Fe será recordado por mucho tiempo, dada la calidad y el talento de estos músicos de la hermana Colombia.

De los Andes colombianos nos vamos al Perú, para disfrutar de su música criolla a través del grupo Proyecto Ofrenda Maestra. La guitarra de Renzo Gil se une a la voz de Jorge Figueroa Cavero y las percusiones en cajón peruano de Hubert Reyes Mesías. La primera obra que escuchamos es el vals Amargura, de Laureano Martínez, cuya temática parece relacionarse con la del tango (“los días que se fueron”) y que en Argentina hemos conocido también en las voces del dúo Los Visconti. El mismo ritmo nos trae El canillita, que evoca a un mocito vendedor de diarios en los versos y la música de Julio Pinglo Alba.

Proyecto Ofrenda Maestra

Video: Ofrenda Maestra en Sonamos Latinoamérica

(por gentileza del sr. Renzo Gil)

 Renzo Gil recitando la "Décima"

Una de las obras más singulares de Proyecto Ofrenda Maestra es la décima Peinando canas, compuesta por Juan Urcariegui García y recitada con honda emoción por don Renzo Gil. La música nos resulta similar a algunas composiciones chilenas . Desde la ciudad de Piura nos llega el ritmo tondero: la canción Mi burrito nos entretiene con su ritmo bien animado y  típicamente peruano. No podía faltar una obra de la inolvidable cantautora Chabuca Granda: nada menos del homenaje que le hiciera a su padre, en los sentidos y elegantes versos de Fina estampa, que si bien es un vals, el trío lo interpreta en ritmo de zamacueca. A pedido del público, una marinera cierra una noche plena de emociones y sonoridades.

Más información:

www.sonamoslatinoamerica.com

www.raulmalosetti.com.ar

www.rolandogoldman.com.ar

www.myspace.com/triodeidayvuelta

Facebook: Ofrenda Maestra

V Festival Internacional de Música “Sonamos Latinoamérica” (Primera Noche)

El prestigioso compositor y charanguista Oscar “Poli” Gomítolo  ha ideado este espacio cultural que nos acerca a artistas de gran prestigio de toda Sudamérica. Compartimos esta quinta edición en su sede central de la ciudad de Santa Fe, a la que se suman otras localidades del país como Santo Tomé, San Marcos Sierras (provincia de Córdoba) y Rosario. La ciudad de Buenos Aires, en tanto, ha acogido por primera  vez este Festival Internacional con gran convocatoria popular.

 Centro Cultural Provincial

Junín 2457, Santa Fe

Viernes 28 de octubre de 2011

Laura González Cabezudo es la primera artista presente en esta nueva edición de “Sonamos Latinoamerica”. Actriz y cantante uruguaya, nacida en Paysandú, nos trae en su voz hermosas canciones de raíz folklórica de ambas orillas del Plata y del río Uruguay. De los temas propios se destacan el candombe Vengo, interesante reafirmación de identidad y compromiso, la Chacarera del desencontrado y la Zamba de adiós, a través de las cuales Laura cuenta historias de amores y desamores propios de la vida actual. A las bondades interpretativas de Laura—cuyo arte habíamos podido disfrutar en su país—se suma su interesante faceta en el plano de la composición. La acompañan el guitarrista Daniel Petruchelli, montevideano, y el percusionista Leo Lemes Faccini, sanducero.

De Javier Cabrera, artista de Tacuarembó, Laura interpreta una obra titulada Ruta 5, cuya letra nos relata la inmigración de la gente del interior a las capitales, temática que no por conocida resulta menos interesante. Rancherío, de Guillermo Castro, nos cuenta. “Voy a llevarte lejos, Montevideo / tengo bien claro de dónde vengo…”; en esta canción también se funde el amor por la querencia con otros sentimientos profundos que tan bien sabe transmitir Laura González Cabezudo.  Pero la interpretación que se lleva los mayores méritos se debe si duda a otro artista nacido en Paysandú: el recordado Aníbal Sampayo. A través de su galopa Melchora Cuenca, con un sonido bien litoraleño y de ritmo bien marcado, nos trae la historia de esta muchacha que se casó con José Artigas en 1815, incorporándose  a las luchas revolucionarias de este período histórico donde se definió la libertad de nuestros pueblos.

Arturo García nos presenta, de Venezuela, el arpa tuyera (arpa aragüeña), cordófono de ejecución digital que no posee dispositivos para modificar su afinación. Este artista nos comparte su maravillosa música con el gran profesionalismo que le dan sus treinta años de oficio, a través de golpes (ritmos bailables) y pasajes.

De forma didáctica, don Arturo nos hace conocer ritmos y formas de interpretación poco conocidas en esta parte de Sudamérica. Tras una alocución no exenta de humor, el artista venezolano nos cuenta que “lo que sirve de la música es DISFRUTAR”. Y vaya si lo hemos logrado. Lamentablemente no se ha informado de los títulos de las composiciones y tampoco hubo venta de grabaciones de Arturo García para poder profundizar en el saber y disfrute de los sones del arpa. El último golpe, llamado El cochino, cierra uno de los segmentos más emotivos de la noche.

Siguiendo con el corazón en Venezuela, se presentan otros dos músicos de ese país. El primero de ellos es el guitarrista Néstor Viloria, uno de los coordinadores de “Sonamos Latinoamérica” en su país. Comienza interpretando el Preludio Criollo, bellísima pieza de concierto con autoría de Rodrigo Riera. Del mismo autor, Néstor nos ofrece la Serenata ingenua, una serenata romántica cuyo sonido mixtura diferentes estilos que, por momentos recuerdan las composiciones de Francisco Tárrega y Ernesto Lecuona. En tanto, el Choro se llama así porque recrea este ritmo de origen brasileño.

Tres piezas venezolanas, con arreglos de Néstor Viloria, nos introducen en el conocimiento del merengue venezolano, más lento que su similar dominicano, compuesto en 5/8. De estas piezas, El saltarín, de Luis Laguna, resulta menos interesante que Los hijos de la noche (Serrano),cuyo ritmo es más veloz o más “animado”  y más reconociblemente venezolano. Finaliza este segmento del Festival un joropo llanero o “entreverado”, que contiene a su vez ritmos como pajarillo, chipola y gabán (en La mayor). Aquí se manifiesta nuevamente la riqueza musical venezolana en una pieza que, si bien se toca en forma “académica”, forma parte del saber popular.



El segundo artista de esta sección es también un guitarrista, nacido en Caracas. Se trata de José Luis Lara, quien inició sus estudios musicales con su padre. Posteriormente estudió guitarra clásica con el maestro Néstor Bruzual y guitarra solista de jazz con el maestro Julio Sánchez. Entre sus muchos méritos está el de dirigir la Orquesta de Guitarras de Angostura, en Ciudad Bolívar.

La primera obra que podemos disfrutar es la Suite criolla, de Alberth Hernández, obra interesantísima compuesta por tres ritmos que obran  como  movimientos: merengue, valse y joropo. Al igual que en el caso de Néstor Viloria, lo “académico” y lo popular conjuran una exquisita mixtura en las cuerdas de este talentoso músico y docente. De Efraín Silva, la obra Campanario de Choroní evoca un encuentro guitarrístico que se realizaba en una iglesia cercana a las playas de Choroní, en el estado Aragua. A la tradición de la guitarra romántica de Choroní se suma Guariqueña, del artista de Ciudad Bolívar Telmo Almada. Se trata de una pieza original para banda, cuyo ritmo rápido y su variado “colorido” musical la sitúan entre las más aclamadas por el público presente.

Como si no fuera suficiente lujo haber disfrutado del arte de José Luis Lara y Néstor Viloria, ambos guitarristas nos brindan una “yapa” tocando juntos dos piezas maravillosas: la primera es un golpe  llamado El Gabán creada por el mítico Ignacio “Indio” Figueredo en 1914. Este folklorista venezolano, nacido en Apure, gozó de amplia popularidad entre las décadas de 1950 a 1990, además de merecidos homenajes de cineastas e intérpretes de aquella hermosa nación. La segunda obra conjunta es una Danza zuliana, expresión tradicional que debe su nombre al estado Zulia, limítrofe con Colombia y situado alrededor del Lago Maracaibo. Como agradecimiento por estas logradas expresiones musicales, José Luis y Néstor se llevan una generosa ovación popular.

El Trío Nueva Colombia celebra con nosotros sus veinticinco años de trayectoria. Integrado por Germán Darío Pérez (piano y dirección musical), Mauricio Acosta (contrabajo) y Hoffman Ricardo Pedraza (tiple), esta agrupación nos trae a nuestro país ritmos colombianos menos conocidos que la cumbia y el vallenato: se trata de piezas en las que se destaca el tratamiento para trío con profundas influencias del jazz (más notables en el sonido del piano) pero más lentas y enraizadas en la tradición latinoamericana. El bambuco A lo Germancho, compuesto por Mauricio Rangel, evidentemente está dedicado a la figura de este gran tecladista. En tanto, el propio Germán es el autor de Insistime (sic), obra compuesta en ritmo de pasillo y de Locuras, un bambuco cuya virtuosa ejecución pianística evoca agrandes maestros del instrumento como el cubano Jesús “Chucho” Valdez en varios pasajes de la obra.

El ritmo tradicional del pasillo aparece en otra obra de Germán Darío Pérez: Atardecer, que nos recuerda a otro gran compositor: el inolvidable Ernesto Lecuona, aunque esta composición posee mayor vivacidad que sus similares creadas por el pianista cubano. El Trío Nueva Colombia nos cuenta que realiza una proyección internacional de la música de raíz colombiana y vaya si lo logra, atrayendo con complejas y fascinantes sonoridades la inmediata atención del público presente. En Guacatá (bambuco de Francisco Cristancho) comienzan a sonar las cuerdas y luego se suma el piano, con elegante sonoridad.

Para finalizar, las obras El Papi, dedicada a Luis Ignacio “El Papi” Tobar y El ancestro, como gran broche de oro para una noche maravillosa.

Más información:

http://www.sonamoslatinoamerica.com/

www.joseluislara.org / joseluis1676@gmail.com

www.myspace.com/trionuevacolombia

Violeta se fue a los cielos

Con su preestreno el viernes 7 de octubre en el Colegio de Abogados, la película sobre la genial artista chilena Violeta Parra llegó a la Argentina. El filme, cuyo estreno comercial se anuncia a fines de este mes, está protagonizada por Francisca Gavilán, quien ha realizado una importante tarea de composición del personaje.

Trailer de la película (fuente: You Tube)

                El cineasta chileno Andrés Wood ha logrado la singular aventura de llevar al cine la  figura artística de Violeta Parra (1917-1967), cantautora, folklorista, escritora y artista plástica que trascendió las fronteras de su país para convertirse en una referencia ineludible de las artes latinoamericanas.  La tarea de Wood no parecía sencilla, por tratarse la protagonista de un personaje con una vida tan intensa como inabarcable en la duración de una película cinematográfica. Sin embargo, el proyecto pudo llegar a buen término gracias, en buena medida, a la excepcional composición de Violeta lograda por la actriz Francisca Gavilán, quien no sólo estudió la vida de la legendaria artista, sino que además aprendió a tocar, en poco tiempo, la guitarra y el charango. De esta forma, Francisca logra una interpretación cabal de Violeta, apasionada, dulce y fuerte a la vez.

                La película muestra varios pasajes de la vida de Violeta, que se van intercalando con un reportaje televisivo realizado en Argentina a principios de los años 60. Así, podemos ver a Violeta de niña, junto a su papá Nicanor y sus hermanos, tratando de sortear la pobreza; en otras escenas con su pequeño hijo Ángel acompañándola por agotadores caminos campesinos en busca de versos y canciones atesorados por los ancianos de los pueblos, o cantando en Varsovia para un público que la escucha atentamente. Faltan, sí, muchos episodios, ilaciones de distintos momentos de su vida que aquí se van dando salteados, como flashes o recuerdos selectos de su corta pero apasionada existencia. A pesar de estas limitaciones, Violeta se fue a los cielos es una película necesaria, ya que por primera vez acerca en este formato las vivencias de esta creadora mítica. Sus pasos por la ciudad de París, donde expone su obra plástica, y la tormentosa relación con el músico suizo Gilbert Favre no podían faltar en el filme, inspirado en el libro homónimo de Ángel Parra.

                Cuando en los años 50 y 60 del siglo pasado, los sudamericanos viajaban a Europa para traer y reinterpretar lo que se realizaba artísticamente en el Viejo Continente, Violeta realizaba el camino contrario: mostraba en aquella parte del mundo las manifestaciones culturales surgidas aquí y que poco y nada se conocían allende los mares. Su tarea precursora de hacer conocer a través de canciones y obras plásticas la cultura de los Andes y de otras regiones de nuestro subcontinente tuvo su recompensa en la entusiasta recepción manifestada por el público y la crítica de países como Francia, Inglaterra y Suiza, entre otros. Por otra parte, la enorme tarea de recopilar los cantos folklóricos chilenos, tarea encarada por muy pocos investigadores, implicó salvar del olvido cientos de versos y músicas que explican el origen de ritmos como la cueca, la refalosa, el cachimbo, los versos a lo humano y a lo divino, entre muchos otros. Asimismo, esta tarea de recopilación ha sido el sustrato de muchas de sus creaciones originales, que puede conocerse a través canciones como Y arriba quemando el sol, Run Run se fue pa’l norte o Volver a los 17, por citar sólo algunas.

                Si bien Violeta tuvo siempre el reconocimiento de su pueblo, de la gente sencilla que valoraba su obra, las instituciones solían cerrarle sus puertas a las innovadoras y atractivas ideas de Violeta por valorizar la música nacional. En algunos casos no le pagaban por sus actuaciones televisivas o sencillamente la menospreciaban por su origen humilde. Estas injusticias, sumadas a la pérdida de su gran amor, el citado músico Gilbert Favre, parecen haberla llevado a tomar la determinación de terminar con su vida, en la soledad de su carpa en las afueras de Santiago, a principios del año 1967. Sólo tras su desaparición física  comenzó a valorarse con más conciencia el rico y aparentemente interminable legado artístico de Violeta.

Violeta se fue a los cielos

(Chile / Argentina / Francia, año 2011)

Guión y dirección de Andrés Wood

Con Francisca Gavilán, Luis Machín y gran elenco.

La Habana canta a Sabina

Sony Music 8869 793870-2

         Con el extraordinario antecedente del álbum doble “Cuba le canta a Serrat”, aparecido en 2005, llega un tributo a otro gran cantautor español, Joaquín Sabina. Es difícil no establecer comparaciones entre aquella edición precursora y la que actualmente se presenta en Argentina: mientras que el homenaje a Serrat cuenta con una veintena de canciones y sendos intérpretes (entre quienes se destacan la Orquesta Aragón, Silvio Rodríguez, el grupo Aceituna sin Hueso y el recordado Ibrahim Ferrer), esta vez las intenciones parecen más modestas: la selección de intérpretes se limita a la capitalina ciudad de La Habana y el número de canciones es menor. Pero más allá del inevitable cotejo entre ambos lanzamientos, debemos destacar que la calidad del disco que hoy comentamos no le va en zaga a la edición dedicada al catalán.

         Comienza el disco con la enorme voz y talento de Pablo Milanés, coautor junto a Sabina del tema Una canción para la Magdalena, con la que ya nos había deleitado en su disco “Pablo querido”. Esta vez comparte elenco con el grupo Somos Amigos, presente como acompañante en la mayoría de las canciones del disco. Su hija Haydeé Milanés se hace cargo de la canción Que se llama Soledad, publicada originalmente en 1987, cuando Joaquín aun no era ampliamente conocido en esta parte del mundo. Haydeé aporta la frescura de su juvenil voz, secundada por excelentes músicos, que recrean la obra en un ritmo que fusiona raíces cubanas y elementos de jazz. El ritmo caribeño también se hace presente en la personal versión de Quién me ha robado el mes de abril, interpretada por Carlos Kalunga, músico perteneciente al célebre colectivo artístico “Buena Vista Social Club”. En tanto, el tema de amor titulado Contigo, una de las mejores creaciones de Sabina, es uno de los puntos más altos del disco en la voz de Jessica Rodríguez, extraordinaria solista del grupo Somos Amigos.

         Otra voz femenina, habitual intérprete de la obra de Joaquín Sabina, nos ofrece su versión del tema Como un dolor de muelas. Se trata de Ivette Cepeda, quien recrea acertadamente esta composición, basada parcialmente en una carta que le enviara el Subcomandante Marcos al creador andaluz. Por otra parte, Amaury Pérez, destacado cantautor de la Nueva Trova Cubana, recrea con su estilo inconfundible una canción que “le viene como anillo al dedo”: A la sombra de un león. Como si fuera poco esta lograda versión, el tresero Pancho Amat, junto a su septeto El cabildo del son ofrece su propia recreación de la obra firmada por Sabina y Josep Maria Bardagí. En La canción más hermosa del mundo, el dúo Buena Fe, integrado por Israel Rojas y Yoel Martínez recuerda el estilo de Ismael Serrano, por el gran nivel en letra y música y una interpretación cercana a la música pop.

         Mención aparte merece el gran pianista Frank Fernández, nacido en 1944 y que con un gran bagaje académico y popular transforma “mágicamente” las obras que se recrea. Cabe recordar la extraordinaria versión de Mediterráneo en la citada obra “Cuba le canta a Serrat”. Hoy podemos disfrutar su arte sublime en la versión instrumental de 19 días y 500 noches, secundado en percusiones y contrabajo por músicos de Somos Amigos y fusionando la bohemia de Joaquín con el clima tropical que se cuela a través de las teclas del piano.

         Para finalizar el disco, Carlos Varela aporta una obra que ha compuesto junto a Sabina: Tan joven y tan viejo. A pesar de ser conocido por su obra aguda y realista, su estilo cansino no parece ayudarlo a conquistar nuevos públicos y este caso no es la excepción, siendo por ende la canción menos interesante del disco.

Daniel Viglietti recuerda a Mario Benedetti

Recital en el Teatro SHA

Sarmiento 2255, Buenos Aires

Viernes 23 de septiembre de 2011

         Mario Benedetti (1920-2009) ha sido una de las más grandes personalidades de la literatura latinoamericana. Destacado escritor, ensayista y poeta, se integra a la redacción del semanario Marcha en 1945, año de publicación de su obra La víspera indeleble. Su relación con Argentina comienza en 1938, residiendo tres años en Buenos Aires. Muchos años después, en 1974, la película La tregua, dirigida por Sergio Renán, basada en un libro de Benedetti, es nominada al premio Oscar a la mejor obra cinematográfica extranjera. Por otra parte, Alberto Favero musicaliza varios poemas del autor uruguayo para ser interpretados por la cantante Nacha Guevara, recordándose su versión de Por qué cantamos.

         Daniel Viglietti, nacido en 1939, es uno de los cantautores uruguayos más interesantes por el alto nivel artístico de su producción. Sus padres, Lyda Indart, pianista, y Cédar Viglietti, guitarrista, le enseñaron lo mejor de la música culta y popular, logrando Daniel una extraordinaria síntesis de ambos “mundos”. Su primer disco da cuenta de ambas corrientes: por un lado las Seis impresiones para canto y guitarra, breves y hermosas ópera primas, y por otro creaciones propias y ajenas con un sentido más popular como Tú que puedes, vuélvete, de Atahualpa Yupanqui y la que será una de las canciones más conocidas de Viglietti: Canción para mi América, popularizada por su frase “Dale tu mano al indio…”.

         El encuentro entre ambos artistas está lejos de ser casual. Coincidencias éticas y estéticas los hermanan, así como el noble espíritu de la nacionalidad uruguaya que se proyecta al resto del mundo en música y verso. La primera colaboración se da a través de Cielito de los muchachos, poema de Mario musicalizado por Daniel, quien la incluye en su disco del año 1971 llamado “Canciones chuecas”. Los golpes de Estado en Uruguay (1973) y Argentina (1976) obligan a ambos creadores a vivir alejados de Sudamérica. Se reencuentran en Cuba en 1978, donde reciben la propuesta de actuar conjuntamente en México, sumándose a otros artistas de ese país. Dicha propuesta será el germen del espectáculo A dos voces, que se realiza por primera vez en la nación azteca y que gozará de un merecidísimo éxito en todas las ciudades donde se realiza. Lo interesante del espectáculo radica en la complementación de poesías y canciones enlazadas por temáticas similares. El compromiso político de Mario y de Daniel agrega interés al viaje que ambos proponen, y que a través de la palabra y la guitarra, atraviesan buena parte del siglo XX, dejando registrada una mirada aguda pero humana, realista y a su vez idealista.

Daniel Viglietti y Mario Benedetti según la carátula del disco "A dos voces" (1985)

         A dos voces pudo ser disfrutado por los públicos uruguayo y argentino en muchas ocasiones. La partida de Mario pudo haber implicado el fin del ciclo, pero su amigo entrañable, Daniel Viglietti, ha querido recordar al poeta a través de grabaciones, videos y fotografías que interactúan con la presentación en vivo del cantor popular. El recital comienza con obras de Daniel: Aire de estilo, el citado Cielito de los muchachos (con letra original de Mario) y Milonga de andar lejos. A partir de allí comienza la recreación de aquel original espectáculo compartido: hay un primer homenaje a la luchadora popular de origen paraguayo Soledad Barrett (1945 - 1973), quien fuera amiga de ambos artistas: a un fragmento de Muerte de Soledad Barrett de Benedetti le sigue la canción de Daniel titulada sencillamente con el nombre de la muchacha asesinada en Recife (Brasil). Al profundo homenaje le siguen Defensa de la alegría, recitada por Benedetti (y que rememora la versión que hiciera Joan Manuel Serrat) e Identidad, de y por Viglietti.

El recuerdo de Chile a comienzos de los años 70 está presente en el poema Allende, de Mario, homenajeando al “compañero presidente”, mientras que Daniel evoca aquellos años de la “revolución con olor a empanadas y vino tinto” en su bella canción Por todo Chile. El tango, ritmo compartido por montevideanos y porteños, no podía estar ausente. Los versos de Bandoneón, con ese estilo tan particular de Benedetti, con especiales toques de humor, se alterna con el intento de Viglietti por adentrarse en esta música: su canción se titula No tan gotán. Un tema tan delicado como el de los detenidos-desaparecidos no puede estar ausente en la obra de estos prolíficos creadores: Desaparecidos, perteneciente al libro “Geografías”, y la versión musicalizada del poema de Circe Maia Otra voz canta conmueven profundamente por la delicadeza y profundidad con que Mario y Daniel nos acercan su trova.

Enlace a video "Allende / Por todo Chile"

http://www.youtube.com/watch?v=vfH6QPlZS4c

         Una grabación del poeta recitando Me voy con la lagartija precede a dos obras ingeniosas: una selección de los Refranívocos, de Mario, y la canción de Violeta Parra El diablo en el paraíso, ambas en la voz y guitarra del cantautor montevideano. Antes de despedirse, Daniel nos acerca una segunda versión del Cielito de los muchachos, que se diferencia de la original por contener versos agregados por el propio autor, Mario Benedetti, en el año 2007. Tras un largo período de aplausos y vivas, Daniel regresa a escena para seguir deleitándonos con estas obras a dos voces: No te salves (en una grabación por Mario) y A desalambrar, aquella canción compuesta a finales de los 60 que así como se esparció por otros países de habla hispana generó las reacciones más negativas de los poderosos de turno en el Uruguay, que ni lerdos ni perezosos optaron por censurarla y retirar los discos de Viglietti de los puntos de venta. El segundo de los bises nos vuelve a traer la voz del poeta en una obra que no figura en los discos: Soliloquio de los desaparecidos, a la que se suma una canción aun inédita: Tiza y bastón, dedicada por Daniel a la maestra Elena Quinteros, detenida y torturada en Montevideo. Cuenta la historia que Elena trató de refugiarse en la Embajada de Venezuela en esa capital, pero fue capturada allí mismo por los represores; su madre siguió buscándola todos estos años hasta su muerte. A ella alude el bastón del título. En honor a la solidaridad venezolana, Daniel interpreta esta canción con el cuatro, instrumento típico de ese país.  Cierra el ciclo el irónico Pregón de Benedetti y La llamarada, con versos de Julián García y música de Jorge Salerno que a estas alturas es ya un clásico del repertorio del trovador de la otra orilla.